La serie que narra la historia del romance de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette está en su recta final y el influjo que provocó su lanzamiento no ha hecho más que acrecentarse. La serie está gustando, está influyendo y también, levantado más de una controversia.

Producida por Ryan Murphy e inspirada en el libro de Elizabeth Beller «Once Upon a Time: The Captivating Life of Carolyn Bessette-Kennedy«, la serie cuenta con 9 episodios y la protagonizan Sarah Pidgeon, en el papel de Carolyn y Paul Anthony Kelly, al que empezamos a ver en cada rincón que miramos, como John F. Kennedy Jr.

Fue una historia de amor que capturó la atención de toda la nación: JFK Jr. era lo más parecido a la realeza estadounidense.» Comenta Kelly.

Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette realiza un recorrido por los inicios de la relación, su matrimonio y el fatal desenlace que todos conocemos, desgranemos 10 razones para verla, si todavía no has empezado con ella:

1. La propia historia, esta serie narra el romance de una de las parejas más icónicas del S.XX. Carolyn y John encarnaban los papeles más deseados del momento. Él, hijo de Presidente, miembro del clan Kennedy, y ella, una figura destacada dentro de mundo de la moda. Amor, idas, venidas, orígenes bien dispares, expectación, miles de fotografías, rumores. ¿Cómo gestionaron todos estos factores? La serie ofrece una aproximación.
2. La banda sonora. La serie ofrece todo un repertorio de canciones noventeras de primer nivel que proporcionan un billete directo a aquellos maravillosos años. Kiss me de Sixpence None The Richer, Crazy de Seal, It Ain’t Over ‘Til It’s Over de Lenny Kravitz entre otros muchos temazos.
3. La reflexión que provoca la propia vida de John. Una vida marcada por las expectativas, no sólo familiares o propias sino expectativas de todo un país. Si ya es difícil cumplir contigo mismo y tus personas cercanas, vivir con semejante presión merece cuanto menos una reflexión. Y en contraposición, esa complacencia absoluta respecto a su figura, sabedor de poder conseguirlo (casi) todo pero el mero hecho de ser quien es o al poner a funcionar su carisma.
4. Un Nueva York de los 90 c0mo telón de fondo, maravilloso. Así como sus ambientaciones, las oficinas, los apartamentos… unos rasgos decorativos cuidados al máximo.
5. La representación de la presión mediática tan salvaje a la que se vieron sometidos propia de la época que convirtió sus vidas en un escaparate infernal que acabó en aislamiento y problemas psicológicos, caso similar al de Diana de Gales.
6. El papel de Naomi Watts representado Jackie en sus últimos años. La escena que se marca bailando eriza la piel.
7. El choque de los mundo de sus protagonistas. Juvenil, desenfadado y sin reglas el de ella. Rígido, calculado y encorsetado el de él. Las dificultades que Carolyn encontró en la familia de John, las impertinencias que tuvo que escuchar así como los prejuicios que John sufrió por la madre de Carolyn. No siempre se tiene en cuenta, pero el choque de mundos afecta en las dos direcciones, así es la física.
8. El personaje de Caroline Kennedy, una mujer enfadada con el papel que le ha tocado en el mundo y que se resiste a la exposición asociada a su nombre. Corta se queda su intervención siempre nos quedamos con las ganas de saber más de ella.
9. Venga, sí, la moda. Tema que acapara artículos por doquier pero no por eso hay que excluirlo de esta lista, es una realidad que es uno de los grandes atractivos de la serie. La moda minimalista de los 90 que Carolyn hizo suya, ¿quizás la inventó? Calvin Klein, la limpieza de patrones y colores, la falta de artificios y sobriedad. Merece la pena desgranarla y disfrutarla.
10. Carolyn Bessette ¿ el personaje se adapta a la idea que tenías de ella? Ha sorprendido en prácticamente todas sus facetas y eso, dando vida a una mujer archiconocida, es difícil.

¿ Te animas con Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette?

Son muchas las reacciones de personas que aparecen reflejadas en esta serie que indican que los acontecimientos no ocurrieron de tal manera o se alejan de la realidad. Cualquier espectador medio es plenamente consciente de ello y no por ello su visionado deja de ser interesante por multitud de aspectos como los que te hemos contado.

Imágenes: Disney Plus España

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La influencia que el romanticismo del S.XIX ha ejercido en la moda contemporánea es el motivo sobre el que gira la exposición Ecos de la Moda Romántica que se celebra en el Museo Nacional del Romanticismo hasta el próximo 7 de junio y en la que podrán contemplar piezas de Balenciaga, Pertegaz, Pedro Rodríguez, Sybilla, Elio Berhanyer, Ion Fiz entre otros conocidos modistos contemporáneos y del siglo pasado.

Ecos de la moda romántica nos invita a hacer un recorrido por la influencia de la moda y las
tendencias del siglo XIX en la indumentaria femenina contemporánea, evidenciando
afinidades formales y conceptuales entre los códigos de la moda romántica y las creaciones
actuales.

Comisariada por Josep Casamartina i Parassols e Ismael Núñez Muñoz, de la Fundació Antoni de Montpalau, la muestra se extiende a lo largo de las salas que componen el museo, antiguo Palacio del Marqués de Matallana.

La riqueza de la indumentaria romántica fue objeto de interés e inspiración durante los años dorados de la Alta Costura española (1940-1960) y sus ecos llegan hasta nuestros días.

La selección de creaciones establece un diálogo con los espacios y las piezas del museo, especialmente con la colección de pintura, que muestran cómo vestían la burguesía y la aristocracia en las décadas de 1830 a 1870; un período en el que la forma de vestir evolucionó velozmente y tuvo una difusión asombrosa a través de las publicaciones de moda, como El correo de la moda o El correo de las damas.

Siluetas que recrean miriñaques, crinolinas, mangas voluminosas, cinturas ceñidas, estampados florales, madroños propios de la moda goyesca o corsés son los protagonistas de los diseños contemporáneos que se exponen en las salas del museo, reflejando la influencia de la moda y las fuentes visuales decimonónicas.

El recorrido de la exposición concluye con una sala dedicada en exclusiva al proceso creativo
de Pedro Rodríguez (1895–1990), considerado uno de los grandes creadores de la moda
española, con una selección de trajes y 30 figurines ( también prestados por la Fundació Antoni de Montpalau).

La muestra viene acompañada de un completo programa de actividades dirigido a distintos públicos. Entre las propuestas destacan las visitas comentadas a cargo del equipo de Mediación Cultural, que ofrecen una aproximación especializada a las piezas y al contexto histórico de la muestra. Así como talleres, mesas redondas y curso especializado.

Más información.

Imágenes: Museo del Romanticismo

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ARCOmadrid es la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España que, desde su creación, se ha consolidado como una de las principales plataformas del mercado del arte contemporáneo. Este 2026 celebrará su 45ª edición con el tema central de: ARCO2045: El futuro, por ahora.

En esta edición de ARCOMadrid encontraremos dos espacios dentro de la feria, comisariados por José Luis Blondet y Magalí Arriola, que invitarán a reflexionar sobre posibles futuros y lenguajes tentativos del arte con el fin de vislumbrar nuevos horizontes.

Un año más, el Programa General volverá a presentar contenidos artísticos como eje principal de la feria, con galerías y proyectos seleccionados por el Comité Organizador.

Como es habitual en ARCOmadrid, las secciones comisariadas tendrán un papel destacado. Opening. Nuevas galerías, comisariada por Anissa Touati y Rafa Barber Cortell, reunirá una selección de galerías con menos de ocho años de trayectoria. Por su parte, el proyecto Perfiles | Arte Latinoamericano, comisariado por José Esparza Chong Cuy, continuará fortaleciendo el vínculo histórico entre ARCOmadrid y el arte latinoamericano.

+INFO

Obra foto ppal: Adolfo Bimer / Obra número 2: Ximena Maldonado Sánchez

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Sira Quiroga es el nombre de la protagonista de El Tiempo entre Costuras y su secuela, Sira. La primera novela fue llevada a televisión de la mano de Antena 3 en el año 2013 y la serie se convirtió en todo en éxito de pantalla tanto a nivel nacional como internacional.

Años después, María Dueñas, autora de esta ficción, lanzó una segunda novela que situaba a nuestra heroína, Sira Quiroga, en los años inmediatamente posteriores a la II Guerra Mundial. Esta segunda novela se encuentra ahora en fase de rodaje para una nueva apuesta televisiva y acaban de lanzar sus primeras imágenes.

Interpretada por Adriana Ugarte, recorreremos ciudades como Madrid, Londres o Jerusalén durante la segunda mitad de los años 40, mientras su protagonista se ve obligada a reinventarse (de nuevo) , debido a unos acontecimientos inesperados.

A la actriz acompañan personajes ya conocidos que serán interpretados por Peter Vives, Rubén Cortada, Carlos Santos, Carlos Olalla y Francesc Garrido quienes retomarán los papeles que ya interpretaron en la primera entrega y se incorporan intérpretes como Jeremy Neumark Jones, Borja Luna, Orla O’Leary, Kathleen Gati, Melina Matthews, Sharon Mann y Sue Flack, quienes darán vida a nuevos personajes que se cruzarán en la vida de Sira.

La serie está siendo dirigida por Marina Seresesky y Olga Osorio y cuenta con la autora de las novelas, María Dueñas, en el papel de Productora Ejecutiva Creativa.

Emoción, intriga, moda y aventura, son elementos que no faltarán en esta serie, nueva apuesta televisiva que lleva a la pantalla la novela Sira de María Dueñas.

El estreno está previsto para finales de 2026 o principios de 2027.

¿Qué hacer mientras tanto si añoras a Sira?

Evidente, releer las novelas El Tiempo entre Costuras, Sira o recuperar la serie que cuenta con más de 10 años y que tanta expectación levantó en su momento.

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Quietud, calma, introspección, son algunas de las sensaciones que provoca la contemplación de la obra de Vilhelm Hammershøi. Obra que ahora se expone ahora en el Museo Thyssen hasta el próximo 31 de mayo en la exposición Hammershøi, El ojo que escucha comisariada por Clara Marcellán.

Esta exposición, compuesta casi por un centenar de obras, supone una cuidada muestra del trabajo del artista y ofrece una variada y completa visión de su trayectoria artística: arquitectura, retratos, naturaleza pero especialmente sus hipnotizantes interiores domésticos.

Vilhelm Hammershøi nació en Copenhague en 1864 en el seno de una próspera familia de comerciantes.

Siendo un niño, con 8 años, inició sus estudios de dibujo llegando a formar parte de la Real Academia Danesa de Bellas Artes con tan sólo 15 años.

Discípulo de pintores daneses románticos que lo iniciaron en el paisajismo o las escenas de vida cotidiana como Kyhn y Krøyer, no tardó en alcanzar un notable éxito que tras su muerte fue diluyéndose debido a la irrupción de las vanguardias.

Hammershøi, El ojo que escucha se llevada a cabo con la colaboración de la Galería Nacional de Dinamarca y consigue recalar en España el trabajo de este revalorizado artista que sólo en contadas ocasiones ha pasado por nuestro país. La muestra además, se completa con una selección de obras de aristas afines que ayudan a comprender y elevar el trabajo del pintor.

El subtítulo de la muestra, “el ojo que escucha”, remite a la relación metafórica entre su pintura, el silencio y la aparente calma que transmite, y el interés del artista por la música.

Escenas de vida cotidiana en interiores urbanos domésticos. Así podríamos sintetizar lo mejor de su obra, pero al fin y al cabo, sólo son palabras.

Las sensaciones, las que él produce: quietud, calma e interioridad, es lo que de verdad importa, es ahí donde reside su don.

La aparente sencillez de su trabajo no debería distraer la atención de la profunda belleza y técnica que esconden sus obras.

Un magistral uso de la luz, un Sorolla danés, que plasma atmósferas silentes, en las que hasta las motas de polvo suspendido encuentran su lugar, la limitada paleta de colores de las que hace uso el artista o la capacidad para colocar al observador dentro de la propia escena, son sólo algunos de los aspectos que, afortunadamente, vuelven a situar la obra de Vilhelm Hammershøi en el lugar que merecen.

Puedes visitar esta exposición del 17 de febrero al 31 de mayo en el Museo Thyssen.

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Esta película dirigida por Esmerald Fennell no es la primera, ni será la última adaptación de la novela romántica Cumbres Borrascosas y es que este clásico de la literatura inglesa ha sido llevado a la pantalla en multitud de ocasiones además de inspirar otras obras como óperas e incluso canciones pop.

Cumbres Borrascosas es una historia de amor desmedido, tortuoso, obsesivo y pasional que lleva cautivando a quien se acerca a sus páginas desde su publicación en 1847.

La última versión llega de la mano de Esmerald Fennell, quien se ha reconocido obsesionada con esta historia desde su adolescencia, y está protagonizada por dos de los actores del momento, Margot Robbie y Jacob Elordi.

Esta nueva Cumbres Borrascosas se estrena el 13 de febrero y llega cargada de expectación, ya sea por la admiración que despierta esta historia entre el público tanto por el tono y estilo con el que la directora ha dotado a la conocida historia.

La realidad es que es difícil hallar una opinión fundada hasta su visualización, si bien los trailers han dejado entrever ciertas características que no han convencido a los incondicionales de la historia de Catherine y Heathcliff.

De un lado, los anacronismos que salpican la película. Como el vestuario, de la mano de Jacqueline Durran por cierto, mediante el cual veremos a su protagonista con gafas de sol o faldas de látex ( ¿ En el 1800 y los páramos más inhóspitos de Yorkshire? Pues parece ser que sí).

De otro, una inclusión forzada, personajes que pertenecen a razas que difícilmente podrían estar en esa situación y ocupar determinados trabajos. En esta película se da con la actriz Hong Chau en el papel de Ellen Dean, el ama de llaves.

Estas inclusiones son prácticas que están muy asentadas en las nuevas producciones, ya lo vimos por ejemplo en Persuasión de 2022 o en la archiconocida Los Bridgerton. La diferencia radica en ser una adaptación y respetar los cánones de la obra o ser una producción original en la que cada cual decide sus reglas y universo.

La oportunidad de inclusión se perdió en esta versión de Cumbres Borrascosas con la elección de Jacob Elordi como protagonista. Heathcliff fue un niño huérfano de piel morena en descripción de la propia Brontë, siempre se ha asumido que su origen era gitano y la elección de otro protagonista hubiera resuelto dos asuntos de un plumazo.

Otra faceta que suscita controversia es la erotización que parece desprender la nueva película, aspecto que igualmente se impone cada vez más en películas y series de época. Erotización que no aparece en la novela. Es pasional, sí, tumultuosa, también, pero la novela no va más allá.

Habrá que esperar a verla en la gran pantalla para sacar nuestras propias conclusiones. De lo que sí podemos escribir…

De Cumbres Borrascosas de Emily Brontë para ponernos en situación:

La autora nació en 1818 de Yorkshire, condado en el que además, se desarrolla la historia. Fue hija de un pastor anglicano quien otorgó a sus hijas una buena educación. Las hermanas incluso residieron una temporada en Bruselas para cursar estudios de francés y alemán con la intención de abrir a su regreso una escuela.

Cumbres Borrascosas es la única novela de la autora, publicada en primera tirada bajo el pseudónimo de Ellis Bell con unos 250 ejemplares. La autora no llegó a ver publicada la obra con su nombre ya que falleció a los 30 años víctima de la tuberculosis.

La novela goza de una original construcción en la que el ama de llaves desgrana la historia a través de sus recuerdos a un nuevo inquilino de la finca.

Cumbres Borrascosas denota el gusto de la autora por la novela gótica. Así, encontramos apariciones, crueldad o noches oscuras que acompañan a sus protagonistas entre desvelos y tensiones.

Es una historia de pasión y obsesión, de venganzas, odios y tormentos pero también de clases sociales y naturaleza.

Una novela que ha ganado lectores desde el mismo momento en que se publicó. Por algo la denominan la gran novela romántica de todos los tiempos.

El vestuario de Jacqueline Durran

Jacqueline Durran es la reconocida diseñadora de vestuario británica que está detrás de esta película y de otros títulos como Orgullo y Prejuicio, Anna Karenina, Mujercitas, Expiación, 1917, La Bella y la Bestia e incluso Barbie. Trabajos que le han merecido importantes nominaciones e incluso dos premios Oscars.

En esta versión de Cumbres Borrascosas la diseñadora se aleja del rigor histórico que sí muestran otros de sus trabajos y es que la forma en la que ahora nos cuentan la historia así lo requería.

Ente 45 y 50 looks han sido los creados para Catherine. Se incluyen piezas transgresoras como el camisón de celofán de su noche de bodas, cargado de simbolismo, o la falda de látex que en realidad no es tal.

El color rojo se hace archipresente e incluso veremos a la protagonista bajo una capa de terciopelo cual Caperucita.

Los escotes de sus vestidos de abrirán exageradamente y evocarán el cine en su época dorada a Lo que el viento se llevó.

Veremos a Catherine con gafas de sol y joyas vintage de Chanel, también un vestido de ¿campesina alemana? Puede ser.

Es un vestuario inexacto y extravagante, buscado y pretendido, con referencias isabelinas, victorianas e incluso de los 50 del S.XX.

Una amalgama de opulencia que seguro cumple su función porque un vestuario firmado por Jaqueline Durran sólo puede significar una cosa, éxito asegurado.

El 13 de febrero saldaremos nuestras dudas a todos los niveles con más de 2 horas de film.

Mientras tanto podríamos rescatar de la estantería este clásico de la literatura y recuperar el placer de leer…

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La cita decorativa por excelencia Casa Decor veterana además donde las haya (ya son más de 60 ediciones a sus espaldas) inicia su cuenta atrás. Una vez seleccionado el enclave, los profesionales participantes comienzan a ajustar y definir su imaginario para transformar el espacio en todo un escaparate de genialidades y novedades decorativas que asentarán las bases de las tendencias de los próximos meses.

Esto es todo lo que sabemos al respecto:

1. Casa Decor 26 se celebrará entre el 9 de abril y el 24 de mayo.
2. El enclave elegido se localiza en el Barrio de las Letras. Una casa palacio de finales del s. XIX que perteneció al marqués de los Vélez y conde de Niebla. Calle San Agustín 11, esquina con Cervantes. Una palacete urbano de 4 plantas.
3. En este palacio, destacan su vestíbulo, su impactante escalera de mármol y su lucernario que darán la bienvenida al visitante , seguro, de un modo inesperado.
4. En los año 20 el inmueble pasó a las manos de las Esclavas del Sagrado Corazón de Jesús convirtiéndose en una escuela-convento. De ahí la impactante capilla de aire mozárabe, hoy desacralizada. Un espacio que se convierte quizás en el mayor reto de todo el enclave.
5. En esta edición Casa Decor reconoce la trayectoria profesional del arquitecto y diseñador Ramón Esteve otorgándole el Premio de Honor a la Trayectoria Profesional 2026.
6. Casa Decor vuelve a confiar en Triciclo como operador oficial de catering. Su propuesta gastronómica tendrá como objetivo potenciar la experiencia sensorial que brinda la Exposición, a través de una cocina basada en la coherencia, el respeto por el producto y la honestidad culinaria. 
7. En esta edición, Casa Decor dará su apoyo a KASSUMAY, una organización no gubernamental para el desarrollo que nace del encuentro entre las culturas de España y Senegal, su labor se centra especialmente en mujeres y niños en situación de vulnerabilidad.
8. Como patrocinadores principales, Casa Decor cuenta con Sircle Collection, un grupo hotelero boutique independiente con sede en Ámsterdam y con Take Point, empresa especializada en el desarrollo, la promoción y el reposicionamiento de activos inmobiliarios singulares. 

Más sobre Casa Decor 2026

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Hay libros que más que leerse, se transitan. Hamnet es uno de ellos. No avanza a golpe de acción ni de giros, sino por acumulación de silencios, de gestos mínimos, de ausencias que pesan más que cualquier presencia. Por eso leerlo antes de ver su adaptación cinematográfica no es una cuestión de fidelidad al romanticismo de la letra escrita; es una cuestión de convertir su visionado en toda una experiencia. Y nadie como Maggie O’Farrell para dotar de sentido a lo ínfimo y volverlo esencial.

La novela construye un vacío. La muerte no se presenta como un clímax, sino como un centro gravitatorio que organiza todo lo demás.

El duelo es casi silencioso, se infiltra en las costuras. Está en la casa, se hace carne en el cuerpo, se cuela en las aristas del matrimonio, en el tiempo narrativo que deja de comportarse como una línea recta. Leer Hamnet es aprender que el dolor no siempre grita; a veces simplemente permanece.

Uno de los grandes logros del libro es convertir la ausencia en materia narrativa. Lo que no está ocupa más espacio que lo que está. Ese hueco no se explica, se vive. El lector lo habita con una lentitud que el cine, por su propia naturaleza, solo puede sugerir. La película mostrará silencios; el libro, en cambio, nos enseña cómo suenan por dentro. 

La lectura del libro convierte el texto en cuerpo. El duelo no es abstracto ni simbólico.

A través de Agnes, el lector es capaz de experimentar todo un archivo emocional: cansancio, intuición, enfermedad, deseo, rechazo. No hace falta describirlo, se siente en palabras. Desde la butaca, el espectador podrá reconocer lo que ya fue vivido entre líneas.

La naturaleza, lejos de ser un decorado bucólico, funciona como un sistema de conocimiento. La prosa de la autora es sensorial, poética sin ser cursi, cargada de metáforas orgánicas. Muchas de las escenas más potentes no son visuales, sino mentales.

Plantas, animales y estaciones ofrecen un lenguaje alternativo al racional, una forma de comprender el mundo que trasciende lo meramente atmosférico. En pantalla esa dimensión solo gana fuerza si ya va cargada de significado. 

Y luego está la escritura.

O’Farrell plantea una idea incómoda y hermosa: el arte no cura el dolor, pero lo transforma.

La literatura no consuela, pero da forma. Leer la novela antes de ver la película permite captar esa transmutación en su estado más íntimo, antes de que se convierta en escena. 

Ver la película sin haber leído el libro es asistir a una historia. Leer el libro antes es llegar al cine con un mapa emocional ya trazado. No para anticipar, sino para reconocer. Porque Hamnet no compite consigo mismo en distintos formatos: dialoga.

Primero el latido, luego la imagen. 

Hamnet es una obra publicada por Libros del Asteroide

Hablamos con Esther de su amor por los libros en esta entrevista.

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Inspirada en la novela de Agatha Christie del mismo nombre, Agatha Christie: Las Siete Esferas acaba de estrenarse en Netflix y ya se ha convertido en uno de los programas más vistos de la plataforma. En realidad, este serie de 3 capítulos goza de todos los ingredientes necesarios para ello: buena trama, buenos actores, buenos diálogos, buena ambientación y un tiempo de visualización medido.

La atractiva trama, evidentemente, se la debemos a la afamada Agatha Christie quien con más de 60 novelas policiales se ganó el título de Reina del Crimen.

La historia se desarrolla en Londres, en los años 20 y en una señorial casa de campo. En ella, celebra una ambientada fiesta de máscaras que reúne a un amplio grupo de personas y tras una pesada broma, se produce una muerte repentina ¿Acaso un asesinato?

Protagonizada por jóvenes pero ya destacados actores británicos como Edward Bluemel y Mia McKenna-Bruce y acompañados por la siempre genial Helena Banham Carter, Agatha Christie: Las Siete Esferas supone un auténtico placer televisivo, especialmente en fines de semanas lluviosos, fríos y de principios de enero.

La ambientación londinense posterior a la I Guerra Mundial resulta sublime. Invernaderos, jardines, grandes salones, clubs, calles, coches, relojes y un cuidado vestuario de la mano de Amy Robert también conocida por su trabajo en The Crown.

Evidentemente intrigante, fresca, con ritmo, cuidada y perfecta para cualquier momento, en especial para este fin de semana.

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Las Escenas de la Nieve de Monet son la mejor de las muestras de lo que el invierno debería ser en un lienzo. En este artículo repasamos la Escena de la nieve en Argenteuil en 10 claves.

1. Es una obra de 1875, el Impresionismo era un recién aterrizado en la escena artística parisina. La obra «Impresión, Sol Naciente», considerada la obra que da origen a este movimiento, se pintó a penas tres años antes. Por tanto, en su momento fue una obra innovadora y casi experimental.
2. Es un óleo sobre lienzo que mide 71×91 centímetros y se encuentra en la National Gallery de Londres.
3. El invierno especialmente frío del año 1875 fue la inspiración para esta obra y otras tantas que pertenecen a la misma serie. En ellas, la nieve y su atmósfera heladora se convierten en protagonistas.
4. Argenteuil es el pueblo a la orilla del Sena en el que vivió Monet por algo más de un lustro. Se encuentra a unos 11 kilómetros de París, se conectaba con la ciudad por tren y debido a ello, era uno de los destinos favoritos de los parisinos en su tiempo de ocio. Este pueblo aparece como localización en más de 200 obras de Monet.
5. De espaldas a la estación de ferrocarril y con el Sena al fondo, así es cómo pintó el artista esta obra.
6. La gélida sensación de frío, la impresión, se crea a partir del uso del color. Los blancos, azules y grises aplicados en pinceladas rápidas y difusas crean el invierno de un modo extraordinario. ¿De qué otro modo iba a ser? Es Monet.
7. La profundidad de la obra viene de la mano de las huellas en la nieve de las ruedas de un carro que acaba de pasar. Son señales indecisas y titubeantes con las que incluso podríamos imaginar a la velocidad que avanzaba el carro. También aportan profundidad las irregulares vallas que delimitan la calle.
8. Nos ayudan a apreciar la composición de la obra los árboles que se sitúan a izquierda y derecha. Unos perennes, con nieve sobre sus hojas, pesados y densos. Los otros, caducos, desnudos y crudos, como el invierno.
9. La textura de nieve se aprecia gracias a la exquisita técnica del artista, sus pinceladas, los contrastes de tonos blancos con otros más oscuros y la falta de uniformidad en todas ellas. La nieve es un perfecto caos, como todo lo que salió de Monet.
10. Lo mejor de esta obra, al modesto entender de quien escribe, es la impresión que ofrece. Esta obra es frío, es gélida y heladora, es quietud y decadencia, es sencillamente invierno.

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