Para Ana Locking la moda no es sólo una disciplina estética. En sus años de profesión la diseñadora siempre ha entendido la moda, además, como un instrumento para narrar historias que cuentan con su propio lenguaje narrativo y emocional. Así, cada prenda se transforma en una invitación a la reflexión, en una suerte de archivo emocional o el punto de partida de un viaje imaginativo o con el que echar la vista atrás.

La idea central de la exposición Ana Locking. Nostalgia/Utopía gira en torno a la moda como relato en tránsito, una constante que pivota entre la nostalgia y la utopía, una dualidad que se presenta como un movimiento en una doble dirección.

Con una escenografía que no se adapta cronológicamente a la trayectoria de la diseñadora, la exposición se desarrolla en torno a gigantes cajas de transporte de madera en la que maniquís dan vida a las creaciones de Ana Locking a lo largo de sus años de trabajo. Así se recogen piezas de la colecciones Antihero de 2016, The Thinker de 2017, Kaspar Hauser de 2018, Paranormal de 2022 entre otras que ofrecen una minuciosa retrospectiva de la diseñadora.

Esta exposición recoge en torno a 100 looks y se divide en 3 plantas reservando la última al proceso creativo, exponiendo así bocetos, dosieres, textos, fotografías, referencias visuales… La exposición nos acerca así al storytelling y la metodología conceptual de la marca.

+INFO:

Del 4 de marzo al 12 de julio de 2026

Sala Canal Isabel II

Santa Engracia, 125, Madrid

Comisario: Alberto Gonper

Presentada por la Comunidad de Madrid

Abierta de martes a sábado, 11 a 20:30h y domingos 11 a 14h.

Entrada gratuita.

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La cita decorativa por excelencia Casa Decor veterana además donde las haya (ya son más de 60 ediciones a sus espaldas) inicia su cuenta atrás. Una vez seleccionado el enclave, los profesionales participantes comienzan a ajustar y definir su imaginario para transformar el espacio en todo un escaparate de genialidades y novedades decorativas que asentarán las bases de las tendencias de los próximos meses.

Esto es todo lo que sabemos al respecto:

1. Casa Decor 26 se celebrará entre el 9 de abril y el 24 de mayo.
2. El enclave elegido se localiza en el Barrio de las Letras. Una casa palacio de finales del s. XIX que perteneció al marqués de los Vélez y conde de Niebla. Calle San Agustín 11, esquina con Cervantes. Una palacete urbano de 4 plantas.
3. En este palacio, destacan su vestíbulo, su impactante escalera de mármol y su lucernario que darán la bienvenida al visitante , seguro, de un modo inesperado.
4. En los año 20 el inmueble pasó a las manos de las Esclavas del Sagrado Corazón de Jesús convirtiéndose en una escuela-convento. De ahí la impactante capilla de aire mozárabe, hoy desacralizada. Un espacio que se convierte quizás en el mayor reto de todo el enclave.
5. En esta edición Casa Decor reconoce la trayectoria profesional del arquitecto y diseñador Ramón Esteve otorgándole el Premio de Honor a la Trayectoria Profesional 2026.
6. Casa Decor vuelve a confiar en Triciclo como operador oficial de catering. Su propuesta gastronómica tendrá como objetivo potenciar la experiencia sensorial que brinda la Exposición, a través de una cocina basada en la coherencia, el respeto por el producto y la honestidad culinaria. 
7. En esta edición, Casa Decor dará su apoyo a KASSUMAY, una organización no gubernamental para el desarrollo que nace del encuentro entre las culturas de España y Senegal, su labor se centra especialmente en mujeres y niños en situación de vulnerabilidad.
8. Como patrocinadores principales, Casa Decor cuenta con Sircle Collection, un grupo hotelero boutique independiente con sede en Ámsterdam y con Take Point, empresa especializada en el desarrollo, la promoción y el reposicionamiento de activos inmobiliarios singulares. 

Más sobre Casa Decor 2026

La entrada Casa Decor 2026, todo lo que sabemos sobre esta nueva edición se publicó primero en Protea Estudio.

1. Nació un 11 de julio de 1934 en Piacenzia y vivió su infancia en la Italia de pre y postguerra mundial.
2. Estudió varios cursos de Medicina en la Universidad de Milán, estudios que abandonó para realizar el servicio militar y a los que ya no regresó.
3. Comenzó su carrera en moda como escaparatista en las galerías La Rinascente, trabajo que consideró toda una escuela para lo que luego construyó.
4. Antes de convertirse en diseñador fue ayudante de fotografía y vendedor.
5. Su primer trabajo como diseñador llegó de la mano de Nino Cerruti.
6. En 1966 mientras disfrutaba de unas vacaciones en Forte dei Marmi conoció a Sergio Galeotti, un arquitecto se convertiría en su socio y pareja.
7. Después de años trabajando en el sector, en 1975 decidió vender su coche para financiar la creación de su propia marca, Giorgio Armani.
8. Creó su empresa son 40 años.
9. Siete años más tarde fue portada de la revista Times.
10. Giorgio Armani nació con una primera colección de moda masculina.
11. Un año después de su creación presentó su primera colección de mujer.
12. La base del éxito de Giorgio Armani fue la reinvención de la sastrería masculina, su desestructuración y la forma en la que lo trasladó a la moda de mujer.
13. Armani fue el encargado de vestir a la mujer que por fin accedió a puestos laborales hasta entonces reservados al género masculino.
14. En 1978, sólo tres años después de la creación de su marca, vistió a Diane Keaton para los Oscars.
15. En los 80 buscando un público más joven, creó Emporio Armani y Armani Jeans.
16. Se encargó del vestuario de American Gigoló vistiendo a Richard Gere y dando el impulso definitivo a su marca.
17. Pero no fue la única inclusión en el cine, más de 200 películas tienen el sello de Armani en su vestuario, Los Intocales de Eliot Ness, Malditos Bastardos o El Lobo de Wall Street son algunas de ellas.
18. Seguro que recuerdas el vestido con el que Julia Roberts recogió su Oscar por Erin Brockovich y que el diseñador firmó.
19. Es probable que fuese el primer diseñador en entender la alfombra roja como la potente herramienta de marketing que es.
20. Armani confesó que le hubiera gustado ser director de cine o que Paul Newman hubiera protagonizado un biopic sobre él.
21. Made in Milan es un cortometraje  de 1990 sobre el diseñador u su trabajo que fue dirigido por Martin Scorsese.​
22. Armani amplió su negocio con Armani Exchange, restaurantes, hoteles, una línea de hogar… Todo un universo, incluso floristería y dulces.
23. Armani también cuenta con un museo propio, Armani/Silos situado en Via Bergognone número 40 de Milán.
24. Preciso, meticuloso, riguroso, intransigente, leal, constante, decidido y apasionado. Con estos adjetivos el diseñador llegó a definirse en una entrevista.
25. Armani siempre fue de Armani, no está integrada en ningún conglomerado de marcas de lujo como pueda ser LVMH. Siempre se hace referencia a la visión creativa de Giorgio pero la visión empresarial es para quitarse el sombrero.
26. Dirigió su empresa como único accionista hasta el último día aunque sus sobrinos siempre ocuparon puestos de envergadura.
27. Sus empleados se referían a él como Il Signor Armani, rondan los 8.000 trabajadores en la casa italiana.
28. Dicen que su afán de perfeccionismo y control era tal, que aprobaba todos y cada uno de los productos que se creaban en todas sus líneas y empresas.
29. La exposición «Giorgio Armani» fue una retrospectiva para conmemorar los 25 años de la marca que tuvo lugar en el Museo Guggenheim diseñada por Robert Wilson.
30. Armani dio el salto a la Alta Costura en 2005 con la creación de Armani Privé.
31. La creación de Armani Privé se debió más a una cuestión de marketing que a una necesidad creativa del diseñador.
32. En belleza cabe destacar sus aportaciones en perfumería con creaciones tan emblemáticas como Acqua de Giò, Armani Code o Sì.
33. El estilo de Armani siempre se ha sustentado en la sobriedad y la sofisticación.
34. La sastrería, la estética de los años 30 y la oriental han sido una fuente inagotable de inspiración para el diseñador.
35. La elegancia no es hacerse notar sino hacerse recordar, así definió la elegancia el diseñador italiano.
36. Consideraba una falta de respeto a sus clientes un cambio de guion excesivo entre colecciones. No saber fechar una fotografía en base al look era todo un triunfo para él.
37. Escribió una carta abierta con la que abogó por ralentizar el ritmo de la moda.
38. Cuestionó la forma en la que hoy en día se concibe un desfile, como un show en sí mismo más que una presentación de prendas.
39. Aun teniendo en cuenta la riqueza de sus tejidos en determinadas piezas, Armani siempre fue un diseñador minimalista.
40. El estilo es la única belleza que nunca desvanece, sentenció.
41. Entre nuestras elegantes patrias, están sus queridas Eugenia Silva y Naty Abascal.
42. Fue el creador del famoso traje de chaqueta blanco que llevó la Reina Letizia en su pedida.
43. El diseñador estuvo muy implicado y concienciado en época Covid, fue de los primeros en cancelar su desfile en 2020 y transformó sus talleres de moda para dar cobertura a uniformes y equipamiento de personal sanitario.
44. Este año la marca conmemora sus 50 años con varios actos que se iniciaron en la pasada edición del Festival de Cine de Venecia.
45. Pocos días antes del fallecimiento del diseñador, se lanzó Armani/Archivio, concebido como un diccionario conceptual que traza los 50 años de creatividad, coherencia y evolución de la marca.
46. Durante la Semana de la Moda de Milán se inaugurará en la Pinacoteca di Brera una exposición con 150 looks icónicos del diseñador, a partir del 24 de septiembre.
47. La conmemoración por estos 50 años se clausuraría con el desfile que presentará la ss/26 en la Semana de la Moda de Milán en próximo 28 de septiembre.
48. Il Signor Armani, come è sempre stato chiamato con rispetto e ammirazione da dipendenti e collaboratori, si è spento serenamente, circondato dai suoi cari. Con estas palabras la marca anunciaba el fallecimiento del diseñador el pasado 4 de septiembre.
49. El futuro de la empresa a partir de este momento se encuentra trazado por el propio diseñador a través de un minucioso plan y su fundación. Parece ser que se incluyen clausulas como la limitación de salir a bolsa en un plazo de 5 años con objeto de evitar que la empresa entre a formar parte de los grandes conglomerados de la moda.
50. Pero dejando a un lado la tan valiosa visión empresarial nos gustaría recordar a Giorgio Armani como el grandísimo diseñador que fue, coherente, libre, sumamente elegante y entregado a su profesión.

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El cine de postguerra italiano, sus musas como Sophia Loren o Silvana Mangano así como la feminidad y la funcionalidad que acompañan a la esencia de la marca, sirven como inspiración para la última colección crucero presentada por Max Mara.

En un enclave exquisito, el Palacio Reggia di Caserta considerado el máximo exponente del barroco italiano, Ian Griffiths, director creativo, presentó sus propuestas crucero con una colección que capta el espíritu de Max Mara de manera sublime.

Max Mara nació en 1951 con el objetivo de vestir a mujeres que buscaban el perfil más práctico de la moda sin perder elegancia o estilo, ese peldaño que precede a la Alta Costura. Ésto, es justo es lo que encontramos en Venus Vesuviana. Prendas que se ajustan al día a día de la mujer y propuestas cargadas de estilo y feminidad.

Haciendo uso de sus tonalidades habituales, beiges, nudes o topos, Max Mara consigue una colección perfectamente hilada que pivota entre el desenfado y la sensualidad propia del cine de los 50 y la elegancia y la sofisticación de la tradicional sastrería de la casa.

Shorts y camisas a rayas que se anudan se entremezclan con vaporosos vestidos que se recogen en el hombro. Pijamas de seda dispuestos a salir a pasear contrarrestan la formalidad de los palabras de honor. Tops que dejan parte del abdomen al descubierto hacen lo propio con los tradicionales y envolventes abrigos propios de la marca.

Venus Vesuviana es una colección femenina y elegante, con un aire cincuentero que la hace irresistible.

Estampados en colaboración con Marinella

La clásica firma napolitana de corbatas Marinella colabora en esta colección crucero reinterpretando sus archivos de estampados para crear veraniegas y desenfadadas prendas en forma de conjuntos de estética pijamera, shorts, tops recogidos al hombro o anudados a modo de bandas así como delicadas faldas de vuelo.

La colaboración con Marinella eleva el espíritu de Venus Vesuviana y hace la mejor de las parejas con la estética de Max Mara.

Si te ha gustado, no deberías perderte el desfile en su totalidad:

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Y ya van 30 ediciones de Casa Decor. Desde el año 1992 Casa Decor consigue crear espacios únicos, novedosos y singulares, rodeados de los mejores profesionales del sector en nuestro país. Eligiendo siempre para ello, localizaciones singulares que aportan un valor inestimable a las propuestas allí presentadas. Bancos, palacios, conventos, embajadas o casas señoriales han sido algunos de los enclaves elegidos en estos 33 años de historia.

En esta ocasión, Casa Decor 2025 se realizará en un imponente edificio de la calle Sagasta esquina con la Plaza de Alonso Martínez (Sagasta 33) en el madrileño barrio de Chamberí.

De porte señorial y estilo decimonónico, este edificio se construyó entre 1899 y 1901 por el arquitecto Luis de Landecho Jordán y Urríes. Destaca su espectacular fachada, milimétricamente simétrica y sus dos torreones octogonales.

Se trata de un edificio de espacios abiertos y techos altos que cuenta con más de 7.000 metros cuadrados.

El Premio de Honor a la Trayectoria Profesional Casa Decor 25 recae en la interiorista Sandra Tarruella.

Con una carrera profesional impecable durante más de 30 años, Sandra Tarruella es una de las máximas representantes del buen hacer, pulcro y detallista, del interiorismo catalán, con proyección en todo el ámbito nacional y fuera de nuestras fronteras.

Esta edición continúa con Rosewood Villa Magna como catering, que ofrecerá al visitante una experiencia gastronómica de primer nivel en su restaurante.

Y acogerá, nuevamente, a la Organización no gubernamental Entreculturas en su proyecto apoyando de este modo su labor de garantizar el derecho a la educación de calidad de todos los niños en contextos de emergencias y crisis, con su lema «Escuela Refugio».

En esta edición de Casa Decor se reúnen más de 200 expositores entre profesionales y empresas con el fin de promocionar su trabajo, productos o servicios, en esta completa plataforma comercial, de marketing y comunicación.

Casa Decor es un gran proyecto participativo, que potencia y da visibilidad no sólo al sector del interiorismo, sino también a marcas de consumo, lujo y estilo de vida.

Algunos de los profesionales que participan en esta edición de Casa Decor 25:

• Andreu Carulla Studio
• Bao Proyectos
• Carmen Barasona
• Decor Studio
• Diego Guillén Ligori
• Estudio Querencia
• Equipo Santos
• Fran Cisneros
• Jean Porsche
• Miriam Alía
• Pils Ferrer
• Wink

Entre muchos otros profesionales de renombre.

+INFO:

Abierto todos los días, desde el 3 de abril hasta el 18 de mayo de 11 a 21 h (domingos y festivos incluidos)

Puedes adquirir tu entrada en la web oficial de Casa Decor

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Pero apreciamos una gran paradoja en ella ¿Qué sabemos realmente de Williams Morris?

Williams Morris nació en 1834, en el seno de una familia acomodada muy cerca de Londres. Ávido lector, dicen que de niño ya se encontraba fascinado por la Historia Medieval así como por la naturaleza. Incluso contaba con su propio terreno dentro del jardín familiar para cuidar y cultivar sus propias plantas. Así surgió su interés por la botánica.

La Botánica y el Medievo, los dos grandes intereses infantiles que luego se convirtieron en el motivo principal de sus trabajos.

Inició sus estudios de Teología en Oxford pero un viaje a Francia para conocer sus catedrales góticas lo llevó a recalcular su camino.

Fascinado como estaba ya desde niño por lo medieval, la contemplación de las grandiosas construcciones hicieron que abandonara la Teología para ingresar en la plantilla de George Edmund Street, un destacado arquitecto neogótico.

Pero W.Morris era una persona con muchas inquietudes y aunque hoy en día sea recordado por sus trabajos artísticos y decorativos, en su momento era más conocido por su poesía, prosa y compromiso social y político.

Morris vivió en una sociedad victoriana muy dividida y con acentuadas desigualdades económicas y de clase.

En contraposición, su visión ideal de sociedad debía radicar en una especie de utopía fraternal en la que las desigualdades entre personas se redujeran y las condiciones de vida promovidas por la industrialización desaparecieran.

De ahí su ferviente defensa por el trabajo artesanal.

Morris fue un activista político, participó en el asentamiento de las bases del movimiento socialista británico y artísticamente se vinculó en sus inicios con la Hermandad Prerrafaelita, una corriente de escritores, poetas, pintores y otros artistas que buscaba potenciar el trabajo de artesano frente a la producción industrial, devolviendo así la dignidad al trabajo.

Morris&Co, el legado de Williams Morris

El origen de Morris&Co lo encontramos en el movimiento Arts&Crafts, una corriente artística que ha quedado asociada principalmente a la figura de Williams Morris y que se originó a finales del S.XIX en Inglaterra.

Este movimiento, acabaría siendo la base del art nouveau y el art decó.

Siguiendo la estela de la Hermandad Prerafaelita, este movimiento promovió y potenció la recuperación de oficios y artes medievales como fueron las vidrieras, los tapices, los azulejos… renegando así de las producciones en masa características de la época industrial.

Arts&Crafts es el germen de la empresa final por la que es mundialmente conocido a día de hoy y que da lugar ahora a la nueva colección de Zara Home, Morris&Co.

Morris&Co sería la empresa que creó y dedicó a fabricar artesanalmente muebles y objetos decorativos en base a las técnica artesanales medievales y de estética naturalista con un fin eclesiástico, domésticos y decorativos.

Desde ella, se producían tejidos, vidrieras, papeles decorativos, murales, artículos de metal o vidrio, bordados, incluso joyas.

Pero antes de llegar a esta empresa final, estuvo asociado con otros artistas que defendían un mismo concepto de trabajo, pasó de la arquitectura a la pintura o decoró la Red House, una suerte de sala de pruebas que era su propia residencia y que se convirtió en la máxima expresión del trabajo de su toda su vida.

Williams Morris se embarcó otras muchas labores y causas porque se trataba de una persona inquieta y evolutiva como pocas.

La doble paradoja de Williams Morris

La gran verdad es que vivir de acuerdo a tus principios y valores es una de las tareas más complicadas que existen y para Williams Morris también lo fue.

Su ideal de superar el sistema de clases, de dignificar el trabajo de todas las personas, de apostar la artesanía y los oficios medievales y de ofrecer el arte y la belleza a todos, se hizo imposible.

Los costes de producción tuvieron la culpa, sus trabajo resultaban tan costosos que se hicieron imposibles de adquirir por las clases a las que él precisamente quería hacerlos llegar.

Hoy en día, la paradoja es justo la contraria. Los costes de sus productos son accesibles a la gran mayoría del público ( sus prints aparecen en agendas, neceseres, paraguas, cojines…) Pero su principio de trabajo artesanal para hacer frente a las producciones industriales, ha quedado relegado al final de cajón.

He aquí la paradoja de esta colaboración con Zara Home y de las otras muchas que ha existido y están por llegar.

Algunas de los productos que componen dicha colección de Zara Home:

¿Supone o no una gran paradoja esta colaboración?

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Así, del 24 de enero al 21 de julio los pasillos de uno de los museos más increíbles del mundo estarán habitados por piezas actuales o de archivos de las principales casas de Costura.

Con esta exposición, Louvre Couture; Objetos de Arte, objetos de Moda, se intenta responder a la cuestión de cómo el museo ha influido en la moda y los diseñadores a lo largo de los años. Para ello, ha reunido piezas de Balenciaga, Dior, Rabbane, Givenchy, Schipiarelli, Prada o Hermès entre muchas otras emblemáticas firmas y han creado esta impactante exposición, que evidentemente pasará a la historia.

En ella se exponen creaciones tanto de archivo como actuales en entornos y salas del museo que bien podrían ser su fuente de inspiración primigenia.

La relación del arte con la moda es evidente, no por considerar la moda un arte en sí (que también podría serlo en su vertiente de la Alta Costura) sino porque la inspiración que los diseñadores siempre han encontrado en las diferentes corrientes artísticas de la historia está más que demostrada.

No hay que rebuscar en los recovecos de la memoria, seguro que el vestido Mondrian acaba de aterrizar en tu cabeza, Yves Saint Laurent plasmó directamente un cuadro en una de sus piezas.

Frecuentemente directores creativos y diseñadores encuentran el leitmotiv de sus colecciones en un cuadro, en una escultura o en una corriente artística y con esta exposición el museo busca evidenciar la influencia que sus propias piezas han ejercido en la moda.

Con esta exposición Olivier Gabet, su comisario, ha recogido más de 65 diseños y accesorios que van desde piezas de Alta Costura de Balenciaga con sus diseños casi arquitectónicos hasta la holandesa Iris Van Herpen, pasando por impresionantes diseños de Galliano en su etapa Dior o los característicos tejidos de Chanel.

Si tienes planeado visitar París en los próximos meses y eres un apasionado de la Costura y el Arte, es una cita ineludible.

Si París no está en tus planes siempre nos quedará el catálogo de la exposición.

Más información

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Nos citamos con él y charlamos de su forma de entender el arte, de sus inspiraciones, de su trabajo como diseñador y del momento vital en el que se encuentra.

Algunos piensan que nuestro destino ya está establecido, otros en cambio defienden que el destino lo vamos construyendo con cada acción y decisión que tomamos a lo largo de nuestra vida. Pero entre una y otra postura, hay un término medio que considero el más certero. Éste, atribuye a las circunstancias y el entorno que nos rodea los verdaderos papeles de artífices de casi todo lo que nos ocurre y las decisiones que vamos tomando en nuestra vida.

Luego, con nuestras capacidades, esfuerzos y prioridades vamos puliendo lo que el entorno nos ha dado hasta hacerlo enteramente nuestro.

En el camino de Rafael García Forcada ¿no sería acaso esa tía abuela galerista una circunstancia determinante? ¿O esa máquina de coser en el pasillo de su casa familiar de Constantina otro hecho decisivo en la trayectoria que luego él iría trazando ?

Ni tú ni yo sabíamos a dónde íbamos. Divagaciones aparte, la realidad es que en García Forcada el talento fluye de manera natural y encuentra su sitio en los lugares más dispares, ya sea un patrón, un tejido, un lienzo o una cerámica. El talento rebosa y él le busca un soporte.

Un hecho inesperado hace que Rafael deba buscar un nuevo estudio. Esta vez decide alejarse del centro de la ciudad, cada vez más despersonalizado y busca un barrio, casi sin pretenderlo, vuelve a su origen, Los Remedios, donde inició su andadura con La Importadora una de las tiendas más atractivas de la ciudad ( hoy en Pérez Galdós número 2)

En este estudio de la calle Montecarmelo, García Forcada pinta y recibe a su clientela bajo cita previa. Allí además, ha quedado instalado su taller de costura desde el que viste a protagonistas e invitadas que apuestan por su inconfundible estilo en el que la anatomía de la mujer es el eje central.

Para inaugurar este espacio, Rafael García Forcada ha recopilado obras de los últimos años bajo el título Ni tú ni yo sabíamos donde íbamos.

Una expo que cuenta además con la peculiaridad de estar sometida a un cambio constante, salen obras para nuevos hogares o colecciones y se sustituyen por otras que no rellenan un espacio, sino que complementan la idea y el concepto original de la exposición.

El artista nos confiesa que él es muy de grises y que sus pinceladas, tan personales como su propia firma me atrevería a decir, suelen verse teñidas de esos tonos que evocan nieblas o amaneceres invernales. Quizás Coruña, ciudad en la que comparte residencia junto con Sevilla, le ha robado parte del corazón y su esencia ya forma parte de su obra.

Su pintura es un viaje personal, un ejercicio de introspección y un modo de expresión en el que conviven aquello que lo rodea, sus vivencias y otras facetas más íntimas que a veces esconde.

Ni tú ni yo sabíamos a dónde íbamos ha sacado a la luz algunas de ellas y también ha intervenido otros trabajos con cápsulas de vibrantes colores que se contraponen a su faceta más introspectiva.

La impronta de García Forcada se antoja fotográfica, suele trabajar a raíz de una fotografía y siempre lo hace con música desoyendo el consejo de uno de sus profesores de la Facultad de Bellas Artes.

Ya desde su época de estudiante empezó a ganarse la vida con obras que representaban entornos de Sevilla. Al ver mi reacción de extrañeza (nunca he visto una obra suya que tenga como protagonista la ciudad) puntualiza con una simpática ironía que quizás quede algún hogar en la ciudad que no tenga uno de sus cuadros de temática sevillana y aclara que no volvió a hacerlo de lo mucho que pintó en aquella época. Aunque curiosamente, mientras mantenemos este encuentro, está enfrascado en un tempranero Guadalquivir que amanece entre niebla.

Luego llegaron los retratos, la pintura de pañuelos e incluso el diseño de interiores.

Fue en Bellas Artes, en la asignatura de Anatomía donde encontró uno de los pilares de su trabajo como diseñador.

Sus creaciones son elegantemente fluidas y en ellas siempre se encuentra el pliegue exacto, el punto correcto de recogido para realzar y reforzar la belleza de la anatomía de la mujer y eso, lo aprendió en sus estudios del cuerpo humano.

Nos confiesa que necesita orden y rutinas para llevar a cabo su trabajo. Su estudio y su casa, son pilares esenciales en su día a día.

Poco amigo de eventos y redes sociales, demasiado ruido no solicitado que lo aleja de lo que de verdad importa.

Sin embargo mantiene activa una cuenta de Instagram desde la que comparte instantáneas de su día a día o sus fuentes de inspiración. Es una de esas cuentas que aporta valor y que merece la pena seguir porque te sumerge, sin pretenderlo, en el mundo tal y cómo él mismo lo percibe y bajo el prisma de su especial sensibilidad de artista. (@garciaforcada)

En su faceta de diseñador, García Forcada tampoco se somete a los circuitos propios de la moda en los que los calendarios, los plazos, los mínimos de producciones o pasarelas marcan el ritmo.

Vive la moda de un modo sereno y sostenible al igual que aprovecha cada retal que queda en su taller.

Le apena ver cómo se va perdiendo el concepto de belleza y de elegancia pero confía en que los cánones vuelvan a recuperarse. Mientras tanto, como buen observador no cesa en su búsqueda, la halla, la rescata y la potencia en forma de cualquier objeto o pieza que se encuentra en el camino y termina poblando su estudio.

Nos comenta que no es muy de ciudad y que necesita de la naturaleza y de los pájaros, Rafael está marcado por la vida tranquila de un pueblo. Precisamente en el de su familia, comenzó a pintar en talleres de verano, en el mismo, su abuela le enseñó a utilizar la máquina de coser y allí también pasaría horas en la boutique de su madre… Toda una vida entrenando su visión artística y creativa que acabaría recalando en sus estudios de arte y moda para dar forma al artista multidisciplinar que es hoy.

Creo que en realidad, él si sabía dónde iba.

La entrada Cuando el talento fluye, Rafael García Forcada se publicó primero en Protea Estudio.

No se nos ocurre mejor medicina estética para este momento que el Espacio Ita-Italian Trade Agency obra del interiorista Jean Porsche. Este espacio supuso una auténtica explosión de color, sofisticación, atrevimiento y frescura que levantó miradas, asombros y estados de ánimo a partes iguales.

Junto a la creatividad del interiorista, empresas italianas como Aquazzura Casa, BTicino, Culti Milano, Etro, Natuzzi Italia, Opinion Ciatti, Rubelli o Santopeccatore, han aportado sus diseños, materias primas y trabajo para dar forma a este sensacional espacio de trabajo en el que el maximalismo es su eje central.

En este espacio conviven en perfecto equilibrio los clásicos más atemporales con elementos vanguardistas que aportan una irresistible modernidad al ambiente.

Paredes revestidas, muebles lacados en un brillante azul primario, alfombras con potentes dibujos geométricos y tapizados con fuerza dotan de personalidad y cierto exceso a este espacio creado para la pasada edición de Casa Decor 2024.

El Espacio Ita Italian Trade Agency diseñado por Jean Porsche se compone de una zona de escritorio en la que destaca una imponente mesa de base de piedra natural y cristal, acompañada de mobiliario tapizado en verde. Zona que se acompaña de un estar en la que destaca el sofá tapizado en terciopelo de estilo mid century. Y frente a ellos, en una iluminada galería, un pequeño comedor con una mesa perfectamente ataviada.

Haciendo uso de una paleta de colores atrevida y refinada, este espacio evidencia que la clave de todo espacio decorativo, siempre reside en los detalles.

Sus acabados y sus remates, los objetos que observas sobre la mesa, los materiales utilizados, lo que no sobra porque no está de más o lo que no echas de menos porque no falta. Simplemente un espacio creativo redondo con el que disfrutar, afinar y entrenar bien nuestra propia apuesta estética.

Más info.

Casa Decor 2025 ya tiene sede y fecha de celebración, será entre el 3 de abril y el 18 de mayo en la calle Sagasta número 33 de Madrid.

La entrada Maximalismos decorativos se publicó primero en Protea Estudio.

En un magnífico enclave como es la Real Fábrica de Artillería de Sevilla, Antonio García ha presentado una colección que conmemora los 25 años de la firma sevillana en la moda. En ella, sigue la constante que unifica todas sus creaciones a lo largo del tiempo: la búsqueda de la belleza. Aniversario sigue los cánones propios y habituales de la marca, la elegancia, la sofisticación y la atemporalidad desempeñan las claves que rigen todos sus trabajos.

Aniversario es una colección con la que los sevillanos nos han vuelto a regalar un desfile magistral. Recoge nuevas creaciones y piezas pertenecientes al archivo de la marca. En ella repasan el legado de la casa y rescatan diseños icónicos que mezclan con novedosas piezas.

En las retinas de los incondicionales de Antonio García están grabadas esas golondrinas que se plasmaron en la colección «Nuestro Sur» de 2014 o el vestido rosa de mil capas de tul que presidía aquel Open Day de 2010.

Ha sido un desfile en el que su inconfundible sello y personalidad se han hecho más presentes que nunca. Sus cortes, sus tejidos, sus cuellos, sus lazos…Todo ha sido Antonio García en esencia. Esa esencia que lo ha convertido en una de las figuras referentes del diseño en el panorama nacional.

Me gusta decir que en Antonio García hacen COSTURA, en el sentido más puro de la palabra. Una costura con técnica, con mimo y exquisitez, en la que tradición e innovación se dan la mano.

La variedad de tejidos y materiales en Aniversario es muy amplia. Desde sus tradicionales mikados o tafetanes que dotan de cuerpo y estructura a las prendas, a delicadas gasas, tules o sedas que se acompañan de plumas, lentejuelas o bordados.

Los colores de Antonio García son otra de sus señas de identidad. Un inconfundible binomio blanco y negro, se acompaña de vibrantes rojos y fucsias, de empolvados rosas o de unos preciosos verdes esmeralda, amarillos o naranjas.

Pero si seguimos escribiendo de señas de identidad, no podemos olvidar su característico patronaje con sus cuerpos sin mangas de sisas en el lugar exacto, los escotes a la caja o sus faldas que fruncen con milimétrica proporción.

Y lazos, muchos lazos. Como el gran lazo de claveles rosas que protagonizaba la pasarela. Antonio García recurre a lazadas para cerrar blusas o capelinas al cuello, así como para acentuar cinturas, los borda en tules o los prende del pelo de las modelos. Los lazos recogen cuerpos que dejan hombros al descubierto o rematan coquetos bolsillos.

Los patrones de Antonio García son matemáticos. Perfectos, limpios y geométricos. Hacen sencillo lo elaborado.

Una colección que es sencilla e incofundiblemente Antonio García, BRAVO.

A por 25 años más.

Fotografías de Protea Estudio

Más sobre el trabajo de Antonio García:

Princess Portraits de 2011

Las Novias de Antonio García

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