En una exuberante pasarela cuajada de helechos en el Museo Rodin de París Jonathan Anderson ha presentado su colección Alta Costura para Dior de 2026/2027. Esta propuesta supone un nuevo deleite para los sentidos que sigue asentando nuestra idea de que él es el diseñador idóneo, perfecto y exacto para la maison francesa, un idilio que ojalá se mantenga por muchos años.

La nueva colección de Alta Costura de Dior, compuesta por 66 salidas, está dedicada a la obra de la escultora estadounidense Lynda Benglis y como tal, las notas escultóricas son una de las principales líneas que definen el alma de esta propuesta. Así, los plisados, drapeados y anudados adquieren un papel determinante por su uso y, a la vez, por su belleza.

La colección busca contemplar la materialidad y la forma desde otro ángulo. En última instancia, se trata de observar la abstracción en el material y preguntarse cómo se puede extraer la realidad a partir de él. Jonathan Anderson.

La larga relación que Benglis mantiene con Ahmedabad, en la India, sirve de base para algunas piezas concretas y su conjunto de esculturas Peacock Series, que empezó a finales de los años 70 inspirándose en las aves que pudo observar durante su estancia en Ahmedabad, se plasma en llamativos adornos florales y pedrería.

Se trata de colección que a primera vista podría considerarse sobria y depurada. No obstante, una vez sales de la ensoñación que supone observarla y comienzas a descubrirla, aprecias los detalles y valores que la dotan de su consideración de Alta Costura. Entonces es cuando sin previo aviso, la sobriedad muta a exuberancia y caes automáticamente rendido a ella.

Los tejidos, las técnicas de costura, los detalles, los bordados o la esencia de Dior, todo es un suma y sigue de exquisitez y buen gusto que no podría estar firmado por otra persona más que por Anderson.

Material gráfico: Dior

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Primero, ir de viaje. Segundo, encontrar un lugar arquitectónico icónico. Tercero, regresar inspirado y crear una colección. Estas fueron las premisas que Daniel Roseberry quiso seguir para crear su colección de Alta Costura. Así, eligió la Barcelona de Gaudí, viajó, visitó, volvió al taller y… nada ocurrió. Se encontró ante un vacío creativo, un abismo al que tuvo que saber hacer frente rompiendo incluso las reglas de la Maison Schiaparelli.

Solo cuando me rendí ante el vacío comencé a disfrutar verdaderamente la creación de esta colección. Daniel Roseberry

Esta colección de Alta Costura de Schiaparelli rompe moldes aunque paradógicamente el encorsetamiento sea una constante. Se atreve a experimentar con materiales, formas y colores. No abandona los tejidos nobles pero incorpora látex, silicona e incluso pintura con la que crea una especie de charcos que luego hornea en láminas.

The Abisss desarrolla nuevas técnicas que hasta ahora no se habían aplicado en Alta Costura por ejemplo esculpe el bustier hiperrealista azul antes de ser fundido en silicona. Así como el vestido cuajado de tentáculos negros que se realiza con tubos de crinolina también esculpidos.

Además, Daniel Roseberry quiso experimentar con el color, concentrándose en tonos encontrados en la flora y la fauna marina: rosa langosta, violeta, mandarina, azafrán y menta pálida, todo sobre un fondo de negro de alto brillo, crudo de cera natural y destellos del icónico oro Schiaparelli.

Elsa Shiaparelli… comprendió que las creaciones más duraderas no emergen de la certeza; emergen de la contradicción, la intuición, el accidente y la valentía de confiar en lo que aún no se puede comprender. Daniel Roseberry

Aún existiendo destacadas dosis de experimentación e innovación en The Abisss, en esta colección se hacen presente las notas más distintivas de la Alta Costura tradicional. Tejidos bordados, encajes, flecos, piezas arquitectónicas o aplicaciones joya. Ese conjunto de conceptos que vienen a nuestra mente cuando pensamos en Alta Costura siguen teniendo su espacio en esta colección, siguen transformando lo ordinario en extraordinario para continuar con la estela de fantasía que es la Alta Costura.

Afina tu mirada con…

El vestido con el que se inicia el desfile es el característico candado de la firma.

Las referencias a Gaudí que sí sobrevivieron al bloqueo creativo del diseñador.

La chaqueta tejida en hilos dorados con perlas.

Los brazaletes tentáculos o los pendientes que parecen ser una continuidad de las orejas de las modelos.

El pantalón crudo bordado enteramente con elementos marinos.

El vestido nude y negro de silueta medusa realizado con charcos de pinturas laminados.

La gargantilla choker dorada que emula el coral y se remata en perlas.

El estampado que combina bordado floral con caracolas marinas en el vestido de flecos en el escote.

El contraste tan potente que aparece entre los bustier de silicona y las faldas cuasi drapeadas en tejidos vaporosos que los acompañan.

La falda mil flores en relieve que tanto recuerda a uno de los vestidos más icónicos de Dior.

Más sobre Schiaparelli

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Por eso, inauguramos la sección Una Sobremesa con… y lo hacemos con Gloria Gómez de León.

Montar una mesa agradable y con mimo es una forma de belleza más. Exige ir más allá, profundizar, tomar el tiempo necesario así como poner en valor la estética y su función. Con estas premisas, era de esperar que inaugurásemos una sección de mesas en esta revista tarde o temprano. Lo hacemos con invitados, recorriendo su historia, conociéndolos más a fondo y charlando como se hace en toda sobremesa que se precie.

Gloria, tengo algo en mente. Voy a empezar una sección sobre mesas en Protea Estudio y me gustaría contar contigo ¿Qué te parece? Sí a todo fue su respuesta. Da gusto trabajar con ella, es dispuesta y divertida, siempre tienen una sonrisa en la cara además de un gusto exquisito.

Gloria Gómez de León está ligada al mundo digital desde hace más de una década. Periodista de formación, siempre encontró en la comunicación un lugar en el que expresar su afinado sentido de la estética y el gusto. Como suele ocurrir, la moda fue su primera forma de expresión pero me atrevería a decir que la decoración y en concreto, las mesas, han ganado la partida de manera definitiva.

Arrancamos Una sobremesa con Gloria Gómez de León

Gloria nos recibe en su casa, lo tiene todo preparado y nos cuenta que finalmente no montará una mesa, serán dos. Suerte la nuestra.

Con el verano ya instalado en la ciudad, Gloria apuesta por una mesa fresca, utiliza como elemento principal una mantelería azul bordada en blanco que perteneció a su abuela y por la que siente especial cariño.

A esta mantelería añade unos bajoplatos en ratán que aportan el toque natural que tan bien sienta a las mesas de verano. Como vajilla utiliza una combinación de llanos clásicos en blanco sobre los que coloca unos platos para el aperitivo con dibujos florales en azul intenso.

La cristalería también es combinada; copas facetadas para el vino y vasos que aportan un divertido toque de color para el agua.

La cubertería que elige emula el dibujo del bambú y al ser completamente metálica reduce el peso visual de una mesa que apuesta por añadir flores y adornos florales como porta velas.

¿Qué prefieres poner la mesa o que te la pongan?

Prefiero poner la mesa, me divierte muchísimo. Pero que cocinen otros, jaja. 

Si es en casa, pienso mucho en los invitados, en el tipo de menú o aperitivos que vamos a ofrecer y en función de eso, elijo unas piezas u otras.

También, según la época del año me apetece usar unos colores de mantelería más vivos, más neutros, bordados o directamente, lisos.

Y si es en casa ajena, ya sea de amigos o familiares, si me lo piden, me gusta usar recursos que tengan en el entorno, ya sean flores campestres, ramas, frutas, verduras, conchas…

Del 1 al 10 ¿Cuánto disfrutas poniendo la mesa?

Disfruto mucho montando mesas, pues desarrollo una parte creativa que hace años, no sabía ni que tenía. Así que diría, que un 10. Nunca una mesa es igual a otra, así que la tarea es muy divertida.

¿De dónde viene este gusto por la mesa?

Si me pongo a pensarlo bien, creo que mis dos abuelas fueron mis referentes.

No solo en reuniones familiares como Navidad, sino, un simple sábado o domingo, yo veía que ellas sacaban todo el menaje con esmero, desde los platitos de pan hasta las jarras de agua de cristal, también limpiaban la plata, se metían en la cocina a preparar sus bandejas de aperitivos…

¿Es una pasión comprendida?

No es del todo una pasión comprendida, por falta de espacio y porque mi casa parece el almacén de un catering con tantas piezas que voy adquiriendo. Pero tengo que reconocerlo, después de la moda, me apasionan las vajillas, las cristalerías, las cuberterías, mantelerías, etc…

¿Y sabes qué? Creo que también entra en ello, el valor de la educación, a la hora de poner una mesa bien presentada, si tienes invitados. Es una forma de acogerlos, recibirlos y que se sientan cómodos. Es una forma de demostrar afecto.

¿Tu menaje de mesa puede llegar a considerarse una colección?

¡Sin duda! Y cuido todo para que ojalá algún día mi hija, pueda conservar lo que ella quiera, al igual que yo tengo cosas de mis abuelas.

De ella ¿Cuál es tu pieza más querida?

Tengo una mantelería de lino azul celeste con bordados de fresas en blanco, que era de mi abuela paterna y es mi favorita. (Es la mantelería usada en esta mesa)

De mi abuela materna tengo una serie de platos llanos y hondos, que pertenecen a una casa inglesa, con adornos florales y frutales en los bordes. Están muy antiguos y muy usados, pero los conservo.

Al montar tus mesas ¿eres de las que improvisa o lo tienes todo planificado al detalle?

Me gusta planificarlas, soy una persona bastante organizada.

¿ Qué te inspira?

La naturaleza y sus colores.

¿Podrías compartirnos algún truco que nunca falla o algo que consideres tu seña de identidad?

Me gusta usar centros de mesa, ya sean hechos con frutas, velas o flores. Marcan el núcleo del montaje y para mí es importante, que siempre sean bajitos.

En algún evento o boda, cuando colocan centros en las mesas demasiado altos, apenas puedes ver a los comensales que tienes en frente tuya. Y eso no me gusta nada.

¿Qué elemento consideras indispensable para montar una buena mesa más allá de su evidente utilidad?

Parecerá una tontería, pero las servilletas tienen su encanto y también dicen mucho de una mesa. Es más, las hay de papel con unos estampados monísimos si no queremos usar textil, que después hay que lavar y planchar.

¿En el día a día también das ese toque especial a la mesa?

A diario, suelo comer sola en casa y con prisas, así que despliego, lo justo. Uso mucho mantel individual.

Los fines de semana, sí que me gusta darle un toque más especial a la mesa. Aunque sea para un picoteo.

¿Tienes alguna anécdota relacionada con tus mesas que recuerdes con especial cariño?

Bueno alguna divertida es que en alguna ocasión subo alguna de mis mesas a Instagram y recibo mensajes como: ¿Dónde está ese restaurante? ¿Qué sitio tan mono, donde es?

Y otra, que cada vez que alguna amiga mía viene a casa, acaba llevándose algo. ( Risas)

Una amiga estaba enamorada de unos candelabros dorados con forma de flor que puse para una cena y fui a la tienda donde los adquirí, para reglárselos por su cumple, pero ya estaban agotados. ¡Así que le regalé los míos y se puso como loca!

¿ A qué persona (siga viva o no) invitarías a una de tus mesas?

¡A quien me traiga un buen vinito!

Confidencias a la carta…

Además de poner una mesa ¿Qué cosas son las que te hacen disfrutar el día a día?

Soy una mujer muy natural, normal y positiva. Y soy de las que sonríen mucho y me gusta la gente que te devuelve la sonrisa.

En cuanto a planes, una terracita al sol, con unas simples aceitunas y una bebida fresquita, me hacen feliz. ¡O un buen entrenamiento en el gimnasio!

¿En qué momento vital te encuentras?

¡El próximo viernes, 26 de junio, cumplo 40 años! Así que estoy en un cambio de etapa total.

He dejado atrás cosas que no me hacían feliz y estoy inmersa en mi crecimiento profesional y personal.

Sabemos que eres una mujer inquieta ¿Tienes algún proyecto a la vista?

Proyecto inmediato como tal, no. Pero ideas en la cabeza, muchas.

Lo que sí, me gustaría sacarle mejor rendimiento a mi perfil en Instagram y aprovechar la herramienta para compartir más contenidos de interés para muchas mujeres.

Ahora que llega el verano ¿ Nos haces alguna recomendación para disfrutarlo aún más si cabe?

¡Escaparse a algún mercadillo! Me vuelven loca y siempre siempre, se encuentra algo.

Como buena anfitriona que es, Gloria nos regaló una nueva mesa

Cristal tallado, servilletas bordadas con flores, cubiertos de bambú y un coqueto abridor con forma de pájaro. La segunda mesa es campestre, serena y delicada. El toque diferente lo marca la jarra de cristal verde que con su diseño retro contrasta con el aire romántico de la propuesta.

Para cerrar este fantástico encuentro con Gloria Gómez de León pasamos el

Recogemigas

Un libro: tengo entre manos uno de Sonsoles Ónega, “Llevará tu nombre”.

Una canción: “Have hoy ever seen the rain” por Rod Stewart.

Aunque si visitas mi cuenta de Spotify lo mismo te sorprendes. Escucho muchísima música y muy variada. Lo mismo suena Alejandro Sanz, que Coldplay, El Barrio, Taburete o José Luis Perales.

Una película: Gladiator.  

Un restaurante: Tengo un listado interminable, ¡me encanta comer! Pero en El Campero de Barbate, me puedes encontrar.

Un lema de vida: ”Hoy semillas, mañana flores”. (Aplicable a todo en la vida y con muchas connotaciones positivas. Hay que ponerle esfuerzo y ganas a TODO)

Tu persona favorita: Mi hija Lola.

No puedes vivir sin: El sol.

Un sueño por cumplir: ¡Muchos! Escribir un libro, crear mi propio negocio, ser responsable de comunicación de una firma de moda…

Muchísimas gracias Gloria, por todo, por tu generosidad, por tu entrega y por regalarnos un sí rotundo con el que estrenar sección.

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En la residencia oficial de la embajada de España en México Juana Martín presentó su colección Folclore inspirada en la huella de grandes artistas españolas que triunfaron en dicho país. Lola Flores, Carmen Sevilla o Juanita Reina inspiran esta nueva propuesta de la diseñadora cordobesa como artistas que legaron una identidad que trascendió el tópico folclórico y se redefinió en términos de elegancia, fuerza y libertad creativa.

Para Juana Martín la moda siempre va más allá de la moda, supera diseños, tejidos o tendencias.

La moda para Juana Martín es un modo de expresión, es un lenguaje cultural, es una reivindicación de las raíces y esta colección deja buena cuenta de ello.

En esta propuesta España y México dialogan a través del color, de los tejidos y la artesanía, afianzando la fuerza de sus raíces populares y de su identidad compartida. Folclore es un puente ente territorios, lenguajes y generaciones.

A base de gasas, guipures, organzas y chantilly, Juana Martín da forma a una propuesta de siluetas depuradas, de volúmenes estudiados y toques de elegancia clásica.

En Folclore los lunares, símbolo identitario, se mezclan con flores y aplicaciones que se bordan a mano. Los volantes con prendas lineales y estructuradas, conviviendo todos los elementos en armonía y naturalidad.

Folclore es una suerte de sofisticación contemporánea que se asienta en los elementos más arraigados de nuestra cultura para enraizarse con los de México con una clara mirada vanguardista y actualizada.

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Hace unos días asistimos a un taller impartido por Farmacia A5 de la mano de Gema Herrerías, su farmacéutica titular, en el que se trató uno de los temas del momento en dermofarmacia, la protección solar. En el mismo, nos acercaron conceptos, desmitificaron creencias y nos dieron las claves para mantener nuestra piel sana en una época del año tan compleja como lo es el verano.

En Protección Solar y Ciencia Gema Herrerías asentó unas sólidas bases para concienciarnos de la necesidad del cuidado de nuestra piel en relación al daño solar. Y lo hizo no desde la opinión, lo hizo desde la ciencia.

Viviendo rodeados de informaciones múltiples como vivimos, es fácil caer en errores y falsas creencias ya que muchos de los impactos recibidos no están contrastados o no son veraces, no se apoyan en ciencia sino en opinión obviando el principal canal al que acudir cuando nos surgen dudas, el profesional.

Desde Farmacia A5 reivindican su papel profesional de la mejor manera que puede hacerse, enseñando, divulgando, demostrando y acercando la ciencia a sus clientes y por ello pusieron en marcha este interesantísimo taller; Protección Solar y Ciencia.

¿Alguien ha tomado el sol sin protección alguna vez? Nos pregunta Gema y toda la sala levanta la mano. Huelga decir que hubo un tiempo en el que cometíamos verdaderas tropelías en pos del bronceado. Afortunadamente esa época quedó atrás, aún así nos queda camino por recorrer.

Protección solar en el rostro sí ¿pero la aplicamos bien? ¿la reponemos? Protección solar en el cuerpo pero ¿en qué formato y cantidad? ¿el adecuado al lugar en el que nos encontramos? ¿somos conscientes del lugar en el que desarrollamos nuestras vidas? Porque no es lo mismo salir de trabajar y volver andando a casa a las tres de la tarde en Sevilla que en Copenhague.

¿Qué hay de real en el concepto callo solar? ¿qué hay detrás de los tóxicos? A todas estas preguntas nos respondió Gema Herrerías desde la mejor y más fiable de las posiciones, la de la ciencia y con décadas de ejercicio de la profesión a sus espaldas.

Repasamos diferentes tipos de protecciones y filtros minerales o químicos, hablamos de vitamina D, de suplementación, la falsa sensación de seguridad, de los tramos horarios más peligrosos, de ropa y accesorios UPF que protegen del solar porque las opciones son amplias y eficaces cuando se trata de prevenir el daño celular.

Hablamos de las consecuencias de la falta de uso de protección solar que en el mejor de los casos deviene en envejecimiento prematuro, manchas y en el más temido de los escenarios, cáncer de piel.

Nos dio las claves para realizar una buena elección de protección solar y el tan poco común de los sentidos, el sentido común.

Para resolver estas dudas y tomar conciencia, nada mejor que escuchar a los profesionales, te recomendamos encarecidamente este fabuloso taller si tienes la oportunidad y también, la charla que mantuvieron Gema Herrerías y Cristina Mitre al respecto y que aquí te dejamos enlazada.

Claves elegir bien la protección solar y evitar el daño solar en nuestra piel.

1. Uso de protección alta a muy alta, SPF50/50+.
2. La importancia del amplio espectro, UVB, UVA, IR-A, VIS
3. Doble protección para pieles oscuras o pigmentadas.
4. Inclusión de antioxidantes frente a la luz visible e IR-A y reparadores/enzimas reparadoras de ADN.
5. El mejor protector solar, es el que USAS.

Además de asumir un nuevo paradigma que vaya más allá de las cremas haciendo uso de medidas físicas, con el apoyo de complementos alimenticios que nunca serán sustitutos de la protección solar pero suman y adoptar medidas de estilo de vida que favorezcan el cuidado de la piel como evitar las horas centrales del día.

Puedes estar al tanto de todas las novedades y consejos de Farmacia A5 en su web y cuenta de Instagram.

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Bobbies lleva desde 2010 diseñando colecciones de zapatería y marroquinería bajo sólidos principios de compromiso medioambiental y social. Con un equipo de diseño centralizado en París y fábricas y artesanos que se reparten entre España y Portugal, capturan para su marca ese característico espíritu parisino de libertad y despreocupación tan codiciado en moda.

Desde Bobbies insuflan a sus creaciones la esencia del effortless y realzan la elegancia a base de líneas o volúmenes muy bien pensados, ofreciendo una visión contemporánea asociada a una sofisticación minimalista e influencias vintage.

Dentro este universo, Bobbies acaba de lanzar un nuevo bolso de nombre Deià. El cual va a acaparar todas las miradas debido a su tremendo carácter. Nos encontramos ante una pieza con vocación de atemporalidad de esas que terminan convertidas en fondo de armario.

Deià está realizado mediante el entrelazado de perlas de acetato con correa de piel. Con seis tonalidades disponibles que van desde el nácar hasta el ámbar, pasando por grises y celestes, este bolso está diseñado para ofrecer una atractiva sofisticación con sumo cuidado al detalle.

Ya disponible en web y puntos de venta.

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La primera exposición dedicada a Elsa Schiaparelli en Reino Unido recorre la amplia trayectoria de la firma desde sus inicios en la década de los 20 del siglo pasado hasta la actualidad bajo la dirección creativa de Daniel Roseberry y podrá visitarse en el Museo Victoria&Albert de Londres hasta el próximo 8 de noviembre.

En esta muestra se exponen más de 400 objetos, 100 looks entre los que destaca el icónico Skeleton Dress y medio centenar de obras de arte firmadas por artistas como Picasso o Cocteau.

Elsa Schiaparelli entendía la moda más allá de un oficio sino como una vertiente dentro del arte.» Para mí, diseñar no es una profesión, es un arte». Sus características creaciones siempre estuvieron íntimamente ligadas a las Vanguardias del S.XX, la diseñadora era considerada una integrante más dentro del círculo de intelectuales del momento.

Dentro de las Vanguardias, el Surrealismo era su parcela de acción, Elsa lo asumió en creaciones subversivas, podríamos decir insolentes para la época, en las que el objeto se sacaba de contexto y los elementos de uso cotidiano se convertían en prendas de moda entre otras muchas excentricidades y genialidades que la llevaron a convertirse en la figura que es hoy. Así, los zapatos se convertían en sombrero, representaciones de manos en casquetes o cajones de escritorio daban forma a femeninos trajes de chaqueta.

Pero descontextualizar no era la única forma de hacer moda de Elsa Schiaparelli, la provocación, también formaba parte de su universo, el Lobster Dress, realizado con colaboración con Salvador Dalí se convirtió en todo un escándalo al lucirlo Wallis Simpson en la revista Vogue. ¿Dónde radica la transgresión te preguntarás? La enorme langosta roja pintada directamente sobre la falda, se colocó de manera estratégica entre las piernas de la mujer y para Dalí, la langosta era un potente símbolo de deseo sexual y erotismo.

La imaginación audaz y la visión radical de Elsa Schiaparelli redefinieron las fronteras entre la moda y el arte.

Esta exposición celebra su influencia duradera a través de colaboraciones icónicas con los maestros del siglo XX y una fusión pionera entre creatividad y comercio.

Con sus colecciones incomparables, su experiencia en moda y diseño, su alcance cultural y su capacidad para tender puentes entre la tradición y la innovación, el Museo Victoria and Albert ofrece el escenario perfecto para mostrar su legado…» Delphine Bellini, CEO de Schiaparelli

Fashion Becomes Art se divide en 4 capítulos

Designing the Modern Wardrobe introduce la carrera de Elsa Schiaparelli, desde la apertura de su primer local en París en 1927 bajo el rótulo «Schiaparelli. Pour Le Sport», hasta convertirse, hacia 1934, en una destacada diseñadora de alta costura para la mujer urbana moderna.

La segunda sección de la exposición, Creative Constellations, explora la profunda conexión de Elsa Schiaparelli con el arte. En el París de los años 20 y 30, colaboró con pintores, escultores y escritores surrealistas que compartían su amor por lo absurdo y lo subversivo. Esta sección destaca las relaciones de Schiaparelli con estos creadores, entablando un diálogo entre obras de arte clave y algunos de sus diseños más atrevidos.

Beyond Paris. Maestra de la autopromoción, Schiaparelli asistía a glamurosos eventos vistiendo sus propias creaciones. Más allá de la atención mediática que generaba, la tercera sección de la exposición explora cómo Elsa Schiaparelli alcanzó el renombre fuera del mundo de la alta costura francesa. La apertura de su salón en Mayfair en 1933 consolidó su presencia internacional, dando paso al movimiento surrealista británico.

A Golden Thread , la sección final, celebra la influencia duradera de Elsa Schiaparelli en la moda y su inmenso legado de diseño, continuado hoy en día por el director creativo Daniel Roseberry.

En la actualidad, Daniel Roseberry ocupa la dirección creativa de la firma desde 2019 y lo hace con absoluta maestría. Elevando las señas de identidad y el enorme archivo de Schiaparelli a los cánones más sublimes de la Alta Costura.

Él ha sido quien ha vuelto a colocar a Schiaparelli en el epicentro de la vanguardia fashionista, aunando el ADN de la Maison con las técnicas de costura más artesanales y exquisitas de todo el panorama internacional.

Algunas curiosidades de Schiaparelli:

1. Elsa nació en 1890 en el imponente Palacio Corsini de Roma. Su entorno familiar era de una enorme sofisticación intelectual: padre Decano en la Universidad de Roma, madre aristócrata y sobrina de astrónomo.
2. A los 21 años, mientras estudiaba filosofía, publicó Arethusa, un libro de poemas marcadamente sensuales. Sus padres, horrorizados por el atrevimiento, la enviaron a un convento de clausura.
3. Schiaparelli no sabía coser ni tenía formación técnica en patronaje. Su primer gran éxito en París (1927) fue un jersey de punto negro que llevaba un lazo blanco tejido en trampantojo, simulando un pañuelo anudado al cuello. Puede verse en la exposición.
4. Creó un color propio. En 1937 lanzó el Shocking Pink , un tono de rosa neón intenso, vibrante y provocador que se convirtió en el sello indiscutible de su firma. Lo utilizó para todo: desde colecciones de alta costura hasta el empaque de su famoso perfume Shocking.
5. Cuando diseñó el frasco de su icónica fragancia Shocking, se inspiró en las sensuales curvas de la actriz de Hollywood Mae West.
6. Las cremalleras eran un elemento puramente industrial y oculto que solo se usaba en la ropa interior o en las faldas por razones prácticas. Elsa rompió el tabú y fue la primera diseñadora en colocar cremalleras de plástico expuestas, grandes y de colores brillantes en vestidos de noche de alta costura.
7. Utilizaba el término «la aburrida costurera burguesa» para referirse a Coco Chanel quien encarnaba lo opuesto a ella en relación a sobriedad, funcionalidad y pragmatismo.
8. Sustituyó los botones tradicionales por auténticas mini-esculturas encargadas a artistas como Alberto Giacometti.
9. Elsa Schiaparelli fue la pionera absoluta en introducir el concepto de colección temática y en utilizar un hilo conductor para vertebrar la presentación de sus prendas.
10. En la década de los 50 el estilo femenino del New Look de Christian Dior acaparó la atención, haciendo que el surrealismo de Schiaparelli se viera desfasado. La diseñadora decidió cerrar su taller en 1954.

Schiaparelli: Fashion Becomes Art homenajeará a una de las diseñadoras más ingeniosas y atrevidas de la historia de la moda. El V&A alberga una de las colecciones de moda más grandes e importantes del mundo, y la colección de prendas de Schiaparelli más destacada de Gran Bretaña. La colaboración de Schiaparelli con los artistas y con el mundo del espectáculo convierte a la Maison y a su fundadora en el tema ideal para una exposición espectacular en el V&A. Tristram Hunt, Director Museo V&A

Más info sobre esta exposición

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Cerrada ya la edición de Casa Decor número 61 que se ha celebrado en un palacete urbano del S.XIX ubicado en el barrio de las Letras, nos disponemos a repasar los espacios presentados que más intensamente han llamado nuestra atención.

Damos comienzo a esta sección con la propuesta creada por Decor Studio para El Corte Inglés bajo la firma de Marta Ureta.

Este espacio es una propuesta de estilo contemporáneo con pinceladas de arte y color, un punto de encuentro en el que la calma se entremezcla con la sofisticación elevando con maestría el día a día.

En este espacio de Decor Studio para El Corte Inglés la cotidianidad de una sala de estar se encuentra en perfecto equilibrio con el diseño y ello se hace presente en todos y cada uno de los detalles del entorno.

Equilibrio que se muestra en las desenfadadas paredes rayadas en rojo y crudo que comparten protagonismo con elementos propios de la ubicación de Casa Decor´26 como son las columnas de capiteles corintios que aportan una impronta solemne al espacio o los techos abovedados y las vidrieras. Un contraste que lejos de chirriar, consigue dotar de una atractiva personalidad a este espacio de Marta Ureta.

La linealidad y sobriedad de los muebles elegidos en esta propuesta, como el sofá o la estantería, encuentra su contrapunto en el uso del color que se hace presente en las obras de arte incorporadas al proyecto, así como a esas pinceladas en las mesas auxiliares de rojo inesperado, archipresente técnica decorativa en la actualidad.

La calidez que aporta el uso de elementos naturales como el ratán de la lámpara del comedor o la piedra del salpicadero de la cocina también encuentran su opuesto en la frialdad de la mesa de espejo o en el metal negro de la estantería y las sillas del office.

Una propuesta de contrastes que funciona a la perfección y combina la cotidianidad del día a día con el diseño y el arte.

¿ Por qué empeñarnos en separar estas realidades en nuestro lugar más personal?

Fotos: Nacho Uribesalazar para Casa Decor.

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Hace diez años Carmuca y Ana Gallardo crearon su primera tienda en un garaje del sevillano barrio de El Porvenir bajo el nombre de The Nook. Desde entonces, lo que empezó siendo un pequeño proyecto de moda y decoración multimarca no ha hecho más que crecer.

Nuevas tiendas en la costa, el desembarco en la capital con una fascinante acogida o el valiente paso hacia la producción propia son algunos de los hitos que marcan la trayectoria de la marca, en la que el esfuerzo y la renovación suponen una constante.

Bajo la máxima del slow fashion, anteponiendo la calidad de tejidos y la exclusividad de estampados así como un decidido compromiso con la artesanía y la producción responsable, The Nook Store afianza más si cabe su ya dilatada trayectoria en un sector en el que cada vez es más difícil mantenerse.

Para celebrar sus 10 años de historia The Nook Store organizó un multitudinario desfile arropadas, como señalaron, por sus principales influencers, sus fieles clientas que llevan acompañándolas desde el inicio de su andadura.

El enclave elegido para tan reseñable ocasión fue el restaurante Río Grande, una ubicación privilegiada a orillas del Guadalquivir que resultó mimetizado con la característica estética y rasgos de identidad de la firma.

Atardecía con esa luz dorada que caracteriza a estos días de junio cuando dio comienzo la primera parte del desfile en la que se presentaba la nueva línea de baño de la marca.

Las modelos llegaron en barco, desde el embarcadero fueron recorriendo entre fresca vegetación, exóticas sombrillas y muchas flores la improvisada pasarela para darnos a conocer una colección centrada en trajes de una sola pieza que favorecen y estilizan la silueta.

Como colores base de esta colección, 100% realizada en España, las diseñadoras apuestan por la elegante y atemporal combinación del blanco y negro que se alternan con tonalidades buganvilla, moca o azul marino. Elegantes y muy femeninos, así resultan los bañadores asimétricos rematados con flores en relieve que aportan contraste cromático.

Con música en directo y de manera muy cercana y participativa, las hermanas Gallardo dieron paso a la Colección India.

Centrada en los característicos estampados indios realizados a mano y diseñados en exclusiva para la firma, las propuestas se visten de vibrantes colores y utilizan patrones que siempre son apuesta ganadora entre sus clientas.

En esta colección las siluetas son relajadas y desenfadadas, donde abundan los volantes, fruncidos y el vuelo en las faldas. Los hombros quedan al descubierto y se adornan con lazadas y escotes estilo bardot. Una propuesta que sabe a verano.

El desfile finalizó con la selección de invitadas para la que se fusionó arte floral y moda en relación a la iniciativa El Mercado de las Flores que cada año ponen en marcha desde la marca con objetivo de apoyar el comercio local.

En esta última parte del desfile predominaron los largos midi y los tejidos vaporosos, una propuesta que aún siguiendo las tendencias del momento goza de vocación de atemporalidad y que quedó realzada por el trabajo de los floristas que colaboraron con sus originales creaciones naturales.

Este desfile de The Nook nos recuerda que las puertas del verano ya están abiertas, que el trabajo siempre gana la partida y que su historia no ha hecho más que empezar, enhorabuena.

Fotos Daniel Navidad para Family Agencia / Protea Estudio

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En el patio Carlos III de la Real Fábrica de Artillería de Sevilla, el diseñador Fabio Encinar presentó su colección para la próxima temporada otoño-invierno  2026. Una propuesta que se inspira y homenajea a la ciudad de Sevilla, lugar que el diseñador madrileño siente como su casa.

Con una teatral y cuidada puesta en escena en la que sonó música en directo de la mano de Sabor Plazuela, una impresionante decoración floral de claveles rojos de Florenea y una moderna cigarrera Carmen, interpretada por Carmen Farala, Encinar presentó su nueva propuesta a golpe de palmas y taconeos.

En el FW 26 de Encinar, el ADN de la marca convive y se entremezcla con la esencia estética más pura de la ciudad.

En ella los lunares y volantes aparecen por doquier alcanzando un perfecto equilibrio con siluetas y tejidos 100% Encinar.

Bromea Fabio Encinar que lleva media vida desmintiendo que sea sevillano y cierto es, que no resulta extraño verlo recorrer las calles de la ciudad y participar en las festividades propias de la capital andaluza. Siendo así, lo normal es que terminase fraguando una colección como la presentada, cuajada de elementos que definen nuestra cultura y manera de entender la vida.

Volantes, lunares, sombreros o pañoletas aparecen en vestidos de noche con colas abullonadas o acompañando a pantalones pitillo y blusas o faldas que recrean trajes de amazona rematados con sombreros calañeses. 

Con una marcada y sobria base cromática negra, la colección va introduciendo colores que llevan años definiendo las creaciones de su diseñador, como su característico rosa, al que se suman rojos o morados y que crean un rotundo contraste.

La colección FW 26 de Encinar es profundamente escultórica en la que las prendas parecen construirse a base de tejidos como el moiré o volantes, al hilo o a capas, que suelen rematarse con cintas y aportan un volumen tremendamente favorecedor. 

Esta propuesta deja hombros al descubierto, entalla cinturas con fajines de lunares y recorta el largo de las faldas con vestidos de bajo asimétrico.

Muy femenina, muy sugerente, muy Sevilla. Así es la nueva colección de Encinar.

Los sombreros son piezas de Fernández y ROCHE, artesanos sombrereros desde 1885, los zapatos pertenecen a la firma Mint&Roses y los accesorios de Alejú.

Más info sobre esta colección.

Fotografías de Marina Rodríguez para Family Agencia.

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