Luz que se derrama sobre este paisaje de tierra, mar, arena, río, marismas, de espacios infinitos, al que me asomo una y mil veces intentando trasladar al lienzo la emoción y la intensidad de su contenido. El Guadalquivir es el río de Sevilla, mi ciudad de nacimiento, que me lleva a Sanlucar de Barrameda, mi otra ciudad, donde comencé a pintar y a soñar.

Con estas palabras Carmen Laffón dio inicio a su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en el año 2000. Palabras que bien podrían sintetizar su obra e inspiraciones, lo que movió su arte y la realidad que plasmó en sus obras, su realidad, así como sus más de 60 años de carrera.

Pintora y escultura, Carmen Laffón se inició en el mundo de la pintura plasmando objetos y paisajes desde una perspectiva realista evolucionando después hacia un estilo que casi rozaba la abstracción en el que las veladuras y las manchas difuminadas tomaron el control de sus obras.

Escenas y objetos cotidianos en forma de cestas, armarios o máquinas de coser, su propia familia y vistas, de las ciudades en el que creció como persona y artista, azoteas, el río, salinas y el coto de Doñana, se convierten en los ejes centrales de su obra y los varía, los traslada a temple o carboncillo para ganar profundidad, dotarlos de más vida, abstraerlos o exprimir más si cabe su esencia.

La sencillez de este lugar fue creando en mí una inclinación hacia el valor de lo menor, de lo íntimo, a cultivar y recoger «el tesoro que encierra lo pequeño».

Soñar, porque cuando termina el río y comienza el mar abierto, la imaginación vuela o, mejor dicho, navega a países de tierras y cielos desconocidos, de leyendas y aventuras, de esperanzas e incertidumbres, suscitando en mí cuando lo contemplo sentimientos y pensamientos más allá del tiempo.

Comisariada por Paula Luengo, jefa de exposiciones del Museo Thyssen-Bornemisza, Variaciones es una muestra centrada en las naturalezas muertas y paisajes, los dos géneros fundamentales de la extensa obra de Carmen Laffón. Reúne 77 obras, un conjunto de oleos, carboncillos y esculturas que suponen la máxima expresión del personalísimo mundo figurativo de la artista.

En Variaciones el visitante pasará a formar parte del diálogo creado entre las obras más tempranas de Carmen Laffón y las más tardías, recorriendo la evolución artística de la autora y caminando los pasos que la llevaron a alcanzar su abstracción final.

9 Secciones dedicadas a sus iconografías más frecuentes

1. La muñeca y la cuna 

El primer capítulo de la exposición está dedicado a la muñeca Marcelina y al tema de la cuna, reuniendo dos parejas de óleos, de 1965 a 1995, que conectan con la infancia.

2. Los bodegones

Se centra en las naturalezas muertas, un género de estudio que le permite experimentar con formatos y técnicas a través de objetos modestos de uso diario. 

3. Los objetos

En los inicios de su carrera, Carmen Laffón dedica una gran cantidad de obras a los objetos cotidianos del hogar con las que explora la belleza de las cosas sencillas: canastas, pequeños muebles, máquinas de coser… 

4. Paisaje urbano

En las décadas de 1960 y 1970, Laffón comienza a pintar paisajes urbanos de azoteas y lo que se ve desde ellas. Con el paso de los años, la azotea va perdiendo protagonismo en favor del perfil de la ciudad y del cielo.

5. El Coto

Hacia 1978, inicia sus pinturas del Coto desde Sanlúcar, y a partir de este motivo surge una serie de vistas horizontales en tonos pastel, en las que marca una clara línea divisoria entre el cielo y el mar. 

6. Los armarios

El tema del armario cobra una gran importancia dentro de la obra de Carmen Laffón por ser uno de los proyectos más extendidos en el tiempo, desde 1973 hasta 2018, y por tratarse de una serie dentro de una serie.

7. La cal

La artista no solo pinta exteriores al uso, sino que también se fija en paisajes humildes y de extraña belleza. Ejecutada entre 2011 y 2015, esta serie sobre grandes tablas al óleo, témpera y carboncillo se centra en los utensilios y herramientas de los encaladores que trabajan en un cortijo andaluz, como bidones, carretillas, cubos y mesas. 

8. La sal

La última de sus series, elaborada entre 2017 y 2020, es la que dedica a las blancas salinas de Bonanza, próximas a su casa y taller de Sanlúcar. Tal vez sea su proyecto más ambicioso, tanto por el número de piezas y su gran formato como por el carácter abstracto de las composiciones, hacia el que se encamina la artista según avanza en su producción.

9. La viña

La última sección de la muestra se centra en la serie de La viña. Realizada entre 2006 y 2007, se expuso por primera vez en el monasterio de Santo Domingo de Silos y está inspirada en la pequeña viña que rodea su estudio de Sanlúcar y que Laffón cuidaba a diario. 

Complementando este exposición desde el Museo Thyssen-Bornemisza se han puesto en marcha una serie de actividades y un interesantísimo material adicional que puede revisarse en su web.

La exposición permanecerá abierta del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026.

Si interesa la figura de Carmen Laffón, te recomendamos la lectura del discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Fotografías obras: Museo Thyssen-Bornemisza / Fotografías ambiente: Francis Tsang para Museo Thyssen-Bornemisza

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En este artículo desgranamos 10 razones para incluir los Museos Capitolinos en tu lista de imprescindibles y no dejarlos en el tintero.

Visitar Roma es siempre una buena idea, es una ciudad hermosa cargada de arte e historia. Hay una lista de imprescindibles que todos conocemos y que procuramos no dejarnos atrás; el Coliseo, San Pedro, La Fontana di Trevi, el Foro, el Panteón… sin olvidar el ambiente de sus barrios, sus calles estrechas o su río. Lo normal es emprender el regreso y haber dejado una buena lista de pendientes porque su patrimonio cultural resulta inabarcable.

Los Museo Capitolinos forman quizás parte de esa lista de pendientes con mayor frecuencia de la que merecen ya que su colección, localización y la experiencia en la visita son sin duda de primer orden.

Desgranamos nuestras 10 razones para visitar los Museos Capitolinos de Roma:

1. Loba Capitolina: En este museo es donde podemos contemplar la escultura de la loba que crio a los fundadores de la ciudad, Rómulo y Remo. Es el gran símbolo identitario de la ciudad. No hace mucho, tras unas pruebas de carbono-14 descubrieron que no es de origen etrusco como se pensaba, sino que data de la Edad Media.
2. Emplazamiento en el centro neurálgico de la civilización romana: Los Museos Capitolinos se encuentran en una de las siete colinas fundacionales romanas, en concreto en il Campidoglio. En ella se construyó el Templo de Júpiter Optimus Maximus, el templo más grande, imponente y sagrado de todo el Estado, dedicado a la Tríada Capitolina (Júpiter, Juno y Minerva). Restos que hoy pueden contemplarse en el museo.
3. Plaza diseñada por Miguel Ángel: La Piazza del Campidoglio nos espera tras una considerable escalinata de acceso a la colina (La Cordonata), una obra civil renacentista de Miguel Ángel realmente impactante. Se trata de una plaza trapezoidal que crea una especie de ilusión óptica que amplia su tamaño real presidida por una estatua ecuestre de Marco Aurelio. El suelo diseñado por Miguel Ángel que dibujaba una estrella de doce puntas no fue finalizado hasta los años 40 del siglo pasado.
4. Colección de escultura clásica en general: El catálogo de los Museos Capitolinos es amplísimo pero destaca su colección de escultura clásica que junto a Los Museos Vaticanos es la más importante del mundo. En ella podemos contemplar algunas de las piezas más relevantes del género como El gálata moribundo, El Espinario, La Venus Capitolina o La Medusa de Bernini. Además de sus salas de bustos de Los Emperadores y Los Filósofos, que resultan sencillamente impactantes.
5. Estatuas de gran tamaño en particular: La Estatua Ecuestre de Marco Aurelio que se encuentra en la plaza de Migue Ángel es una replica exacta de la original que está dentro del museo, en concreto en la Sala Exedra. Es una estatua de bronce de gran tamaño, la única de la Antigüedad que ha sobrevivido, representa al Emperador filósofo y su nivel de detalle es asombroso. De otro lado, destacaremos a El Coloso de Constantino, del que hay 3 versiones. Partes de la original en mármol que se encuentran en un patio, su mano, su cabeza o su pie entre otras partes que conformaban una enorme estatua de 13 metros de altura. La reconstrucción de la misma a tamaño real que está en los jardines inaugurada en 2024. Y la última representación, que es una estatua de bronce dorado de la que también se conservan fragmentos como la cabeza de más de metro y medio.
6. Recorrer la Galería Lapidaria: Esta galería es el túnel subterráneo que conecta los dos edificios principales del museo, en ella te adentras literalmente en el subsuelo de Roma. A lo largo de los muros de este pasillo se disponen cientos de lápidas, fragmentos e inscripciones romanas de mármol meticulosamente ordenadas y que nos hablan de gente corriente de Roma, están ordenadas por temas como la vida doméstica o los oficios.
7. Colección de pintura: En la tercera planta del Palacio de los Conservadores se encuentra la Pinacoteca Capitolina, no suele gozar de tanto público como las primeras plantas y recorrerla es un auténtico deleite. En ella encontrarás obras de Caravaggio como La Buenaventura o su San Juan Bautista y su característicos claroscuros, obras medievales, pinturas de Rubens e incluso un autorretrato de nuestro Diego Velázquez.
8. La Sala l Coroli dell´Antico: La exposición permanente Los Colores de la Antigüedad recoge más de 600 piezas de una original e impactante colección geológica y artesanal. En ella podemos descubrir los diferentes tipos de piedra utilizados en el arte y su infinita gama de colores, además de las herramientas que usaban para trabajarlas y sus técnicas. Piedras semipreciosas, los dibujos que forman, sus tonalidades…Una auténtica curiosidad que merece mucho la pena.
9. Vistas: Roma es una belleza mires donde mires, este museo por su localización goza de no uno, sino varios miradores privilegiados. De un lado unas impactantes vistas del Foro ya desde desde las ventanas de sus salas o desde la balconada. El Tabularium ofrece un plano frontal de las entrañas del Impero Romano. De otro, mirando al Vaticano, este Museo cuenta con una terraza ( en la que por cierto hay cafetería) con unas vistas de la ciudad de Roma en 180º, a última hora de la tarde, la luz dorada a Roma le sienta realemente bien.
10. Tranquilidad: Las cantidad de gente que visita Roma en un año es algo escandaloso, las colas de acceso a sus monumentos emblemáticos son sobradamente conocidas. En algunos de ellos puedes llegar a sentirte incluso parte de un rebaño, lo que rebaja considerablemente tu experiencia cultural y artística. Esto no es lo habitual en Los Museos Capitolinos que son relativamente tranquilos y disfrutas del arte a tu ritmo. Puede deleitarte con cada detalle sin que alguien se coloque delante de la obra para hacer la foto número un millón que no volverá a ver ( tema que mereció una reflexión) Un auténtico lujo.

Más información de Los Museos Capitolinos

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Barrabás llegó a la familia por vía marítima, anotó la niña Clara con su delicada caligrafía» leíste esta primera frase de La Casa de los Espíritus y ya no hubo vuelta atrás. Esta frase te atrapó para siempre y te sumergió en una maravillosa historia familiar de amores, odios, miedos, rencores e injusticias. A ti y a más de 70 millones de lectores.

Y si aún no has caído rendida ante esta fascinante novela, te envidiamos, mucho, porque tienes por delante una de las obras más emblemáticas de la literatura latinoamericana que entrará en tu vida como un huracán.

Esta arrebatadora historia familiar fue llevada al cine en 1993 y su paso por la pantalla se saldó con una enorme deuda hacia todo el universo que Isabel Allende creó en torno a las familias Del Valle, Trueba y García. Deuda que ahora se salda con esta serie que acaba de estrenarse en Amazon Prime.

Cuando vi la miniserie, vi lo que siempre debió haber sido. Isabel Allende

Isabel Allende participa como productora ejecutiva, junto a Eva Longoria, en esta adaptación televisiva de Casa de los Espíritus que ahora disfrutaremos en formato de miniserie compuesta por 8 capítulos y que ya puedes disfrutar en su totalidad en la plataforma digital.

La Casa de los Espíritus recorre medio siglo de historia de una saga familiar oscilando en diferentes momentos temporales para presentarnos, conocer y querer a las mujeres que protagonizan la historia; Nívea, Clara, Blanca y Alba.

Lo hace a través de los cuadernos de vida de Clara del Valle, una particular mujer con poderes psiquicos que nos traslada a un onírico y mágico universo que entrelaza con otras novelas latinoamericanas calificadas como realismo mágico.

Pero ¿Qué es el realismo mágico y dónde lo encontramos en La Casa de los Espíritus?

El realismo mágico es un movimiento artístico iniciado a principio del s. XX a raíz del surgimiento de las vanguardias que influyó en diferentes manifestaciones artísticas. En literatura, encuentra su auge en torno a mitad de siglo. Entrelaza lo irreal con lo común y lo normaliza, dejando a un lado el asombro para aceptar que lo extraño forma parte de la vida.

En La Casa de los Espíritus el realismo mágico entra a raudales y se hace presente en cosas tan sencillas como el pelo verde de Rosa, en el propio Barrabás con su descomunal tamaño, casi mitológico, y especialmente en Clara, clarividente que con sus peculiaridades se convierte en la misma columna vertebral de la historia.

Clara habla con los espíritus, adivina el futuro de los que la rodean o interpreta señales, Clara es una realidad mágica en sí misma.

Con la mirada femenina siempre presente, la novela ( y ahora la serie) repasa la historia reciente de Chile, el feminismo, la lucha de clases, la dictadura, así como las historias cotidianas del día a día porque la autora entrelaza realidades con verdadera maestría.

«Creo que es la idiosincrasia de este país, las clases sociales, la forma de ser, de pensar… el valor y la fortaleza de las mujeres en todos los ámbitos. Todo eso sigue vivo. Muchos conflictos que ya existían entonces, desde 1930 y 1970, aún existen». Ha declarado la propia autora.

Y ¿Cómo plasmar todo este universo en una serie?

Con grandísimo acierto diríamos porque lo han conseguido.

Visualizar esta serie es un placer, tremendamente bella, tremendamente íntima, tremendamente sensorial.

La fuerza y la certeza con la que han dado vida a los personajes de la historia no pude dejar indiferentes a los lectores que amaron este libro. La Clara que imaginaste mientras leías sus páginas es la Clara que ahora ves en pantalla. La crueldad de Esteban, la sobrenaturalidad de Rosa, el carácter de Alba se han hecho presentes de un modo que no pueden más que asombrarte y conseguir que agradezcas el momento en el que decidieron dar vida a este proyecto.

En la ambientación, el vestuario o en la atmósfera creada, poco margen de mejora podría encontrarse, es sencillamente exquisita. Cuidada, trabajada y en perfecta consonancia con la obra original.

Esta adaptación televisiva es un sí rotundo, todo un regalo a los amantes de La Casa de Los Espíritus que, seguro no se arrepentirán de ver.

Nada finaliza mientras viva en nuestros corazones.

Imágenes cortesía de Amazon Prime.

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Para Ana Locking la moda no es sólo una disciplina estética. En sus años de profesión la diseñadora siempre ha entendido la moda, además, como un instrumento para narrar historias que cuentan con su propio lenguaje narrativo y emocional. Así, cada prenda se transforma en una invitación a la reflexión, en una suerte de archivo emocional o el punto de partida de un viaje imaginativo o con el que echar la vista atrás.

La idea central de la exposición Ana Locking. Nostalgia/Utopía gira en torno a la moda como relato en tránsito, una constante que pivota entre la nostalgia y la utopía, una dualidad que se presenta como un movimiento en una doble dirección.

Con una escenografía que no se adapta cronológicamente a la trayectoria de la diseñadora, la exposición se desarrolla en torno a gigantes cajas de transporte de madera en la que maniquís dan vida a las creaciones de Ana Locking a lo largo de sus años de trabajo. Así se recogen piezas de la colecciones Antihero de 2016, The Thinker de 2017, Kaspar Hauser de 2018, Paranormal de 2022 entre otras que ofrecen una minuciosa retrospectiva de la diseñadora.

Esta exposición recoge en torno a 100 looks y se divide en 3 plantas reservando la última al proceso creativo, exponiendo así bocetos, dosieres, textos, fotografías, referencias visuales… La exposición nos acerca así al storytelling y la metodología conceptual de la marca.

+INFO:

Del 4 de marzo al 12 de julio de 2026

Sala Canal Isabel II

Santa Engracia, 125, Madrid

Comisario: Alberto Gonper

Presentada por la Comunidad de Madrid

Abierta de martes a sábado, 11 a 20:30h y domingos 11 a 14h.

Entrada gratuita.

Más información

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ARCOmadrid es la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España que, desde su creación, se ha consolidado como una de las principales plataformas del mercado del arte contemporáneo. Este 2026 celebrará su 45ª edición con el tema central de: ARCO2045: El futuro, por ahora.

En esta edición de ARCOMadrid encontraremos dos espacios dentro de la feria, comisariados por José Luis Blondet y Magalí Arriola, que invitarán a reflexionar sobre posibles futuros y lenguajes tentativos del arte con el fin de vislumbrar nuevos horizontes.

Un año más, el Programa General volverá a presentar contenidos artísticos como eje principal de la feria, con galerías y proyectos seleccionados por el Comité Organizador.

Como es habitual en ARCOmadrid, las secciones comisariadas tendrán un papel destacado. Opening. Nuevas galerías, comisariada por Anissa Touati y Rafa Barber Cortell, reunirá una selección de galerías con menos de ocho años de trayectoria. Por su parte, el proyecto Perfiles | Arte Latinoamericano, comisariado por José Esparza Chong Cuy, continuará fortaleciendo el vínculo histórico entre ARCOmadrid y el arte latinoamericano.

+INFO

Obra foto ppal: Adolfo Bimer / Obra número 2: Ximena Maldonado Sánchez

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Quietud, calma, introspección, son algunas de las sensaciones que provoca la contemplación de la obra de Vilhelm Hammershøi. Obra que ahora se expone ahora en el Museo Thyssen hasta el próximo 31 de mayo en la exposición Hammershøi, El ojo que escucha comisariada por Clara Marcellán.

Esta exposición, compuesta casi por un centenar de obras, supone una cuidada muestra del trabajo del artista y ofrece una variada y completa visión de su trayectoria artística: arquitectura, retratos, naturaleza pero especialmente sus hipnotizantes interiores domésticos.

Vilhelm Hammershøi nació en Copenhague en 1864 en el seno de una próspera familia de comerciantes.

Siendo un niño, con 8 años, inició sus estudios de dibujo llegando a formar parte de la Real Academia Danesa de Bellas Artes con tan sólo 15 años.

Discípulo de pintores daneses románticos que lo iniciaron en el paisajismo o las escenas de vida cotidiana como Kyhn y Krøyer, no tardó en alcanzar un notable éxito que tras su muerte fue diluyéndose debido a la irrupción de las vanguardias.

Hammershøi, El ojo que escucha se llevada a cabo con la colaboración de la Galería Nacional de Dinamarca y consigue recalar en España el trabajo de este revalorizado artista que sólo en contadas ocasiones ha pasado por nuestro país. La muestra además, se completa con una selección de obras de aristas afines que ayudan a comprender y elevar el trabajo del pintor.

El subtítulo de la muestra, “el ojo que escucha”, remite a la relación metafórica entre su pintura, el silencio y la aparente calma que transmite, y el interés del artista por la música.

Escenas de vida cotidiana en interiores urbanos domésticos. Así podríamos sintetizar lo mejor de su obra, pero al fin y al cabo, sólo son palabras.

Las sensaciones, las que él produce: quietud, calma e interioridad, es lo que de verdad importa, es ahí donde reside su don.

La aparente sencillez de su trabajo no debería distraer la atención de la profunda belleza y técnica que esconden sus obras.

Un magistral uso de la luz, un Sorolla danés, que plasma atmósferas silentes, en las que hasta las motas de polvo suspendido encuentran su lugar, la limitada paleta de colores de las que hace uso el artista o la capacidad para colocar al observador dentro de la propia escena, son sólo algunos de los aspectos que, afortunadamente, vuelven a situar la obra de Vilhelm Hammershøi en el lugar que merecen.

Puedes visitar esta exposición del 17 de febrero al 31 de mayo en el Museo Thyssen.

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Hay libros que más que leerse, se transitan. Hamnet es uno de ellos. No avanza a golpe de acción ni de giros, sino por acumulación de silencios, de gestos mínimos, de ausencias que pesan más que cualquier presencia. Por eso leerlo antes de ver su adaptación cinematográfica no es una cuestión de fidelidad al romanticismo de la letra escrita; es una cuestión de convertir su visionado en toda una experiencia. Y nadie como Maggie O’Farrell para dotar de sentido a lo ínfimo y volverlo esencial.

La novela construye un vacío. La muerte no se presenta como un clímax, sino como un centro gravitatorio que organiza todo lo demás.

El duelo es casi silencioso, se infiltra en las costuras. Está en la casa, se hace carne en el cuerpo, se cuela en las aristas del matrimonio, en el tiempo narrativo que deja de comportarse como una línea recta. Leer Hamnet es aprender que el dolor no siempre grita; a veces simplemente permanece.

Uno de los grandes logros del libro es convertir la ausencia en materia narrativa. Lo que no está ocupa más espacio que lo que está. Ese hueco no se explica, se vive. El lector lo habita con una lentitud que el cine, por su propia naturaleza, solo puede sugerir. La película mostrará silencios; el libro, en cambio, nos enseña cómo suenan por dentro. 

La lectura del libro convierte el texto en cuerpo. El duelo no es abstracto ni simbólico.

A través de Agnes, el lector es capaz de experimentar todo un archivo emocional: cansancio, intuición, enfermedad, deseo, rechazo. No hace falta describirlo, se siente en palabras. Desde la butaca, el espectador podrá reconocer lo que ya fue vivido entre líneas.

La naturaleza, lejos de ser un decorado bucólico, funciona como un sistema de conocimiento. La prosa de la autora es sensorial, poética sin ser cursi, cargada de metáforas orgánicas. Muchas de las escenas más potentes no son visuales, sino mentales.

Plantas, animales y estaciones ofrecen un lenguaje alternativo al racional, una forma de comprender el mundo que trasciende lo meramente atmosférico. En pantalla esa dimensión solo gana fuerza si ya va cargada de significado. 

Y luego está la escritura.

O’Farrell plantea una idea incómoda y hermosa: el arte no cura el dolor, pero lo transforma.

La literatura no consuela, pero da forma. Leer la novela antes de ver la película permite captar esa transmutación en su estado más íntimo, antes de que se convierta en escena. 

Ver la película sin haber leído el libro es asistir a una historia. Leer el libro antes es llegar al cine con un mapa emocional ya trazado. No para anticipar, sino para reconocer. Porque Hamnet no compite consigo mismo en distintos formatos: dialoga.

Primero el latido, luego la imagen. 

Hamnet es una obra publicada por Libros del Asteroide

Hablamos con Esther de su amor por los libros en esta entrevista.

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Las Escenas de la Nieve de Monet son la mejor de las muestras de lo que el invierno debería ser en un lienzo. En este artículo repasamos la Escena de la nieve en Argenteuil en 10 claves.

1. Es una obra de 1875, el Impresionismo era un recién aterrizado en la escena artística parisina. La obra «Impresión, Sol Naciente», considerada la obra que da origen a este movimiento, se pintó a penas tres años antes. Por tanto, en su momento fue una obra innovadora y casi experimental.
2. Es un óleo sobre lienzo que mide 71×91 centímetros y se encuentra en la National Gallery de Londres.
3. El invierno especialmente frío del año 1875 fue la inspiración para esta obra y otras tantas que pertenecen a la misma serie. En ellas, la nieve y su atmósfera heladora se convierten en protagonistas.
4. Argenteuil es el pueblo a la orilla del Sena en el que vivió Monet por algo más de un lustro. Se encuentra a unos 11 kilómetros de París, se conectaba con la ciudad por tren y debido a ello, era uno de los destinos favoritos de los parisinos en su tiempo de ocio. Este pueblo aparece como localización en más de 200 obras de Monet.
5. De espaldas a la estación de ferrocarril y con el Sena al fondo, así es cómo pintó el artista esta obra.
6. La gélida sensación de frío, la impresión, se crea a partir del uso del color. Los blancos, azules y grises aplicados en pinceladas rápidas y difusas crean el invierno de un modo extraordinario. ¿De qué otro modo iba a ser? Es Monet.
7. La profundidad de la obra viene de la mano de las huellas en la nieve de las ruedas de un carro que acaba de pasar. Son señales indecisas y titubeantes con las que incluso podríamos imaginar a la velocidad que avanzaba el carro. También aportan profundidad las irregulares vallas que delimitan la calle.
8. Nos ayudan a apreciar la composición de la obra los árboles que se sitúan a izquierda y derecha. Unos perennes, con nieve sobre sus hojas, pesados y densos. Los otros, caducos, desnudos y crudos, como el invierno.
9. La textura de nieve se aprecia gracias a la exquisita técnica del artista, sus pinceladas, los contrastes de tonos blancos con otros más oscuros y la falta de uniformidad en todas ellas. La nieve es un perfecto caos, como todo lo que salió de Monet.
10. Lo mejor de esta obra, al modesto entender de quien escribe, es la impresión que ofrece. Esta obra es frío, es gélida y heladora, es quietud y decadencia, es sencillamente invierno.

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La exposición Lux se resume en una certeza, la moda es cultura. Así lo afirma su comisario Raúl Romero quien ha conseguido reunir a 19 destacados creadores andaluces en la primera gran exposición de moda de la tierra hasta la fecha.

En el recién inaugurado espacio de la Real Fábrica de Artillería de Sevilla y hasta el próximo 8 de diciembre, Lux propone un recorrido por el trabajo y creaciones de los diseñadores andaluces más representativos del momento.

Antonio García, con más de 25 años de costura a sus espaldas, la cordobesa Juana Martín, ya una habitual en la Semana de la Alta Costura de París, Palomo Spain quien acaba de colaborar con Carolina Herrera en su último desfile celebrado en Madrid, Fernando Claro, Moisés Nieto, Andrew Pocrid y así, casi una veintena de nombres que por méritos propios han colocado la moda andaluza dentro de los más altos márgenes del diseño nacional e internacional.

Las ocho provincias andaluzas y sus particularidades, sirven de fuente de inspiración y quedan representadas a través del trabajo, estilo y buen hacer de los 19 diseñadores que componen la muestra.

Lux está compuesta por diseños que recrean la esencia andaluza en los que además, adaptan las más tradicionales técnicas de costura que se desarrollan en Andalucía. De esta manera encontramos bordados, volantes, encajes, incluso trabajos propios de enjuncado.

Las creaciones recogidas en Lux suponen metáforas de obras artísticas de esta tierra como las golondrina bequerianas de los hermanos García o las referencias a García Lorca y su obra La Casa de Bernarda Alba en sobrias prendas de luto.

También quedan reflejadas las costumbres andaluzas, la cobijada firmada por Roberto Diz que actualiza la tradicional vestimenta de Vejer de la Frontera da buena cuenta de ello.

La naturaleza andaluza también queda plasmada en el homenaje a los campos de amapolas de Lantejuela de Nicolás Montenegro, a olivares en los estampados de Moisés Nieto e incluso a la propia tierra que da base a los mejores vinos jerezanos, en los diseños de Inés Domecq.

Andalucía es sinónimo de historia, arte, tradiciones y artesanía. No son pocas las grandes firmas de moda internacional que se inspiran en esta tierra en sus creaciones.

De lo evidente, el lunar o el volante, hasta lo más artesanal y trabajado, como el bordado y la orfebrería.

¿Cómo no reivindicar lo propio? ¿Cómo no impulsarlo?

Pero en Lux no sólo encuentras lo tradicional y sus reinterpretaciones, evidentemente hay espacio para la innovación. Álvaro Calafat, presenta una armadura inspirada en nuestra tradicional orfebrería pero realizada a través de novedosas técnicas 3D.

En Lux podemos contemplar creaciones que han desfilado en la más alta esfera de la moda internacional, la Alta Costura de París.

Nos referimos las creaciones de Juana Martín de su primera colección presentada en París, La Rosée. Diseños que enaltecen el trabajo artesanal de la tradicional rejilla de fibra vegetal y la técnica del enjuncado y que, además, han sido portada de importantes cabeceras de moda.

Esta exposición es un homenaje a quienes, con sus manos, transforman la luz en forma y la emoción en vestido. Relata su comisario.

Ofreciendo una visión más fresca, amplia y contemporánea de la moda andaluza, Lux es una cita que se convierte en indispensable para comprender, valorar y homenajear la moda que se crea en el sur.

Fotos Rocío Suárez

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Leí Biografía del Silencio en septiembre de 2019. Hacía 4 años que me había convertido en madre y la sacudida fue tal, que incluso mis intereses habituales comenzaron a virar en otra dirección. Lo superfluo se me antojaba demasiado superficial, ansiaba profundidad.

Aquella época de crianza requería una estabilidad emocional que se me resistía. Dos niños de 4 y 2 años y cero horas al día libres. La maternidad era preciosa pero abrumadora y la tenía instalada en mí las 24 horas del día de manera casi palpable.

Había escuchado hablar sobre la meditación, sobre su capacidad de calmar tu mente y este libro llegó a mis manos de manera providencial.

Un lustro atrás, aunque la meditación era una práctica sobradamente conocida, todavía no era un concepto y un ejercicio tan asentado en nuestra sociedad prepandémica como lo es hoy.

Me llamó la atención que estuviera escrito por un sacerdote ¿Un sacerdote meditando? Hasta entonces sólo tenía asociada la meditación con el hinduismo y cuán desinformada estaba, los cristianos llevan siglos meditando.

La curiosidad y la necesidad hicieron todo el trabajo y me sumergí en sus páginas.

Biografía del Silencio es un breve ensayo, no más de 130 páginas en el que el autor reflexiona acerca de la meditación y de los frutos que él comenzó a recoger con su práctica.

Pablo d´ Ors relata su experiencia » Comencé a sentarme a meditar…por mi cuenta y riesgo«, confiesa que la simplicidad de la práctica, sólo quietud, y su pretensión, reconciliar al hombre con lo que es, le resultó atractiva desde el primer momento.

Recorre sus dificultades iniciales con la meditación tanto físicas como mentales, la inquietud que le provocaba tardó un año en disiparse y el aburrimiento llamaba a su puerta con frecuencia. Ante tal panorama, cualquiera hubiera abandonado la tarea, sin embargo, la intuición le decía que podría ser el camino adecuado para alcanzar el encuentro consigo mismo.

Este ensayo no es una guía para aprender a meditar, es un compendio de las enseñanzas y aprendizajes que la práctica ofreció a su autor.

» Para alguien como yo, occidental hasta la médula, fue un gran logro comprender, y empezar a vivir, que yo podía estar sin pensar, sin proyectar, sin imaginar, sin aprovechar, sin rendir…» sólo estar, aceptar tu realidad inmediata y sumergirte en ella. Comer y sólo comer, mirar y sólo mirar, parece fácil pero no hay nada de sencillo en ello.

El autor también identifica la meditación como una disciplina que acrecienta la confianza, una mayor benevolencia hace los demás y la atención plena. Así como con un despertar a lo que somos y a lo que nos rodea, como la naturaleza.

Después de tantos años y una admiración inmensa hacia este ensayo por su sencillez y rotundidad, aunque nunca he llegado a iniciarme en la meditación, no han sido pocas las enseñanzas que he sacado de Biografía del Silencio, es un libro que me acompaña.

Está cargado de sabiduría y reflexiones que siempre ayudan y suman. Cada cierto tiempo lo rescato de la estantería, y releo, lo subrayado o cualquier párrafo al azar, y empiezo a deshacer nudos y a soltar.

Biografía del Silencio es una balsa de cordura y serenidad para ayudarnos a sobrellevar los tiempos que nos tocan vivir. Te lleva a un despertar que ayuda a alcanzar un nuevo peldaño de madurez, acercándonos poco a poco a lo que realmente importa.

Sobre Pablo d`Ors

Pablo d`Ors es un sacerdote y escritor español nacido en 1963. Tras graduarse en Nueva York y estudiar Filosofía y Teología en Roma, Praga y Viena, se doctora en Roma en 1996. Fue ordenado sacerdote en 1991 en la Congregación de los Misioneros Claretianos; y nombrado en 2014 consejero cultural del Vaticano, por designación expresa del Papa Francisco.

Es autor de El Estreno, Las Ideas Puras y Contra la Juventud, su primera trilogía. Andanzas del impresor Zollinger . El estupor y la maravilla  y Lecciones de ilusión, constituyen su segunda trilogía denominada De la Ilusión y de La Trilogía del Silencio: El amigo del desierto (2009), Biografía del silencio (2012) y El olvido de sí (2013). Además de la novela Entusiasmo, La Biografía de la Luz, una lectura mística del evangelio o Sendino se muere, extraído de su experiencia atendiendo espiritualmente a enfermos y moribundos en el Hospital Ramón y Cajal.

Su obra ha sido traducida a las principales lenguas europeas y su libro Biografía del Silencio constituye todo un hito en la historia del ensayo español.

En 2014 funda la Asociación de Amigos del Desierto con el propósito de profundizar y promover la práctica de la meditación, una red de meditadores interesados en la experiencia del silenciamiento según la tradición de los Padres y Madres del Desierto. Considerándose hesicastas del S. XXI, una práctica espiritual que busca la unión contemplativa con Dios a través de la quietud, el silencio y la oración continua.

Más sobre el autor

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