En una exuberante pasarela cuajada de helechos en el Museo Rodin de París Jonathan Anderson ha presentado su colección Alta Costura para Dior de 2026/2027. Esta propuesta supone un nuevo deleite para los sentidos que sigue asentando nuestra idea de que él es el diseñador idóneo, perfecto y exacto para la maison francesa, un idilio que ojalá se mantenga por muchos años.

La nueva colección de Alta Costura de Dior, compuesta por 66 salidas, está dedicada a la obra de la escultora estadounidense Lynda Benglis y como tal, las notas escultóricas son una de las principales líneas que definen el alma de esta propuesta. Así, los plisados, drapeados y anudados adquieren un papel determinante por su uso y, a la vez, por su belleza.

La colección busca contemplar la materialidad y la forma desde otro ángulo. En última instancia, se trata de observar la abstracción en el material y preguntarse cómo se puede extraer la realidad a partir de él. Jonathan Anderson.

La larga relación que Benglis mantiene con Ahmedabad, en la India, sirve de base para algunas piezas concretas y su conjunto de esculturas Peacock Series, que empezó a finales de los años 70 inspirándose en las aves que pudo observar durante su estancia en Ahmedabad, se plasma en llamativos adornos florales y pedrería.

Se trata de colección que a primera vista podría considerarse sobria y depurada. No obstante, una vez sales de la ensoñación que supone observarla y comienzas a descubrirla, aprecias los detalles y valores que la dotan de su consideración de Alta Costura. Entonces es cuando sin previo aviso, la sobriedad muta a exuberancia y caes automáticamente rendido a ella.

Los tejidos, las técnicas de costura, los detalles, los bordados o la esencia de Dior, todo es un suma y sigue de exquisitez y buen gusto que no podría estar firmado por otra persona más que por Anderson.

Material gráfico: Dior

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Primero, ir de viaje. Segundo, encontrar un lugar arquitectónico icónico. Tercero, regresar inspirado y crear una colección. Estas fueron las premisas que Daniel Roseberry quiso seguir para crear su colección de Alta Costura. Así, eligió la Barcelona de Gaudí, viajó, visitó, volvió al taller y… nada ocurrió. Se encontró ante un vacío creativo, un abismo al que tuvo que saber hacer frente rompiendo incluso las reglas de la Maison Schiaparelli.

Solo cuando me rendí ante el vacío comencé a disfrutar verdaderamente la creación de esta colección. Daniel Roseberry

Esta colección de Alta Costura de Schiaparelli rompe moldes aunque paradógicamente el encorsetamiento sea una constante. Se atreve a experimentar con materiales, formas y colores. No abandona los tejidos nobles pero incorpora látex, silicona e incluso pintura con la que crea una especie de charcos que luego hornea en láminas.

The Abisss desarrolla nuevas técnicas que hasta ahora no se habían aplicado en Alta Costura por ejemplo esculpe el bustier hiperrealista azul antes de ser fundido en silicona. Así como el vestido cuajado de tentáculos negros que se realiza con tubos de crinolina también esculpidos.

Además, Daniel Roseberry quiso experimentar con el color, concentrándose en tonos encontrados en la flora y la fauna marina: rosa langosta, violeta, mandarina, azafrán y menta pálida, todo sobre un fondo de negro de alto brillo, crudo de cera natural y destellos del icónico oro Schiaparelli.

Elsa Shiaparelli… comprendió que las creaciones más duraderas no emergen de la certeza; emergen de la contradicción, la intuición, el accidente y la valentía de confiar en lo que aún no se puede comprender. Daniel Roseberry

Aún existiendo destacadas dosis de experimentación e innovación en The Abisss, en esta colección se hacen presente las notas más distintivas de la Alta Costura tradicional. Tejidos bordados, encajes, flecos, piezas arquitectónicas o aplicaciones joya. Ese conjunto de conceptos que vienen a nuestra mente cuando pensamos en Alta Costura siguen teniendo su espacio en esta colección, siguen transformando lo ordinario en extraordinario para continuar con la estela de fantasía que es la Alta Costura.

Afina tu mirada con…

El vestido con el que se inicia el desfile es el característico candado de la firma.

Las referencias a Gaudí que sí sobrevivieron al bloqueo creativo del diseñador.

La chaqueta tejida en hilos dorados con perlas.

Los brazaletes tentáculos o los pendientes que parecen ser una continuidad de las orejas de las modelos.

El pantalón crudo bordado enteramente con elementos marinos.

El vestido nude y negro de silueta medusa realizado con charcos de pinturas laminados.

La gargantilla choker dorada que emula el coral y se remata en perlas.

El estampado que combina bordado floral con caracolas marinas en el vestido de flecos en el escote.

El contraste tan potente que aparece entre los bustier de silicona y las faldas cuasi drapeadas en tejidos vaporosos que los acompañan.

La falda mil flores en relieve que tanto recuerda a uno de los vestidos más icónicos de Dior.

Más sobre Schiaparelli

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Por eso, inauguramos la sección Una Sobremesa con… y lo hacemos con Gloria Gómez de León.

Montar una mesa agradable y con mimo es una forma de belleza más. Exige ir más allá, profundizar, tomar el tiempo necesario así como poner en valor la estética y su función. Con estas premisas, era de esperar que inaugurásemos una sección de mesas en esta revista tarde o temprano. Lo hacemos con invitados, recorriendo su historia, conociéndolos más a fondo y charlando como se hace en toda sobremesa que se precie.

Gloria, tengo algo en mente. Voy a empezar una sección sobre mesas en Protea Estudio y me gustaría contar contigo ¿Qué te parece? Sí a todo fue su respuesta. Da gusto trabajar con ella, es dispuesta y divertida, siempre tienen una sonrisa en la cara además de un gusto exquisito.

Gloria Gómez de León está ligada al mundo digital desde hace más de una década. Periodista de formación, siempre encontró en la comunicación un lugar en el que expresar su afinado sentido de la estética y el gusto. Como suele ocurrir, la moda fue su primera forma de expresión pero me atrevería a decir que la decoración y en concreto, las mesas, han ganado la partida de manera definitiva.

Arrancamos Una sobremesa con Gloria Gómez de León

Gloria nos recibe en su casa, lo tiene todo preparado y nos cuenta que finalmente no montará una mesa, serán dos. Suerte la nuestra.

Con el verano ya instalado en la ciudad, Gloria apuesta por una mesa fresca, utiliza como elemento principal una mantelería azul bordada en blanco que perteneció a su abuela y por la que siente especial cariño.

A esta mantelería añade unos bajoplatos en ratán que aportan el toque natural que tan bien sienta a las mesas de verano. Como vajilla utiliza una combinación de llanos clásicos en blanco sobre los que coloca unos platos para el aperitivo con dibujos florales en azul intenso.

La cristalería también es combinada; copas facetadas para el vino y vasos que aportan un divertido toque de color para el agua.

La cubertería que elige emula el dibujo del bambú y al ser completamente metálica reduce el peso visual de una mesa que apuesta por añadir flores y adornos florales como porta velas.

¿Qué prefieres poner la mesa o que te la pongan?

Prefiero poner la mesa, me divierte muchísimo. Pero que cocinen otros, jaja. 

Si es en casa, pienso mucho en los invitados, en el tipo de menú o aperitivos que vamos a ofrecer y en función de eso, elijo unas piezas u otras.

También, según la época del año me apetece usar unos colores de mantelería más vivos, más neutros, bordados o directamente, lisos.

Y si es en casa ajena, ya sea de amigos o familiares, si me lo piden, me gusta usar recursos que tengan en el entorno, ya sean flores campestres, ramas, frutas, verduras, conchas…

Del 1 al 10 ¿Cuánto disfrutas poniendo la mesa?

Disfruto mucho montando mesas, pues desarrollo una parte creativa que hace años, no sabía ni que tenía. Así que diría, que un 10. Nunca una mesa es igual a otra, así que la tarea es muy divertida.

¿De dónde viene este gusto por la mesa?

Si me pongo a pensarlo bien, creo que mis dos abuelas fueron mis referentes.

No solo en reuniones familiares como Navidad, sino, un simple sábado o domingo, yo veía que ellas sacaban todo el menaje con esmero, desde los platitos de pan hasta las jarras de agua de cristal, también limpiaban la plata, se metían en la cocina a preparar sus bandejas de aperitivos…

¿Es una pasión comprendida?

No es del todo una pasión comprendida, por falta de espacio y porque mi casa parece el almacén de un catering con tantas piezas que voy adquiriendo. Pero tengo que reconocerlo, después de la moda, me apasionan las vajillas, las cristalerías, las cuberterías, mantelerías, etc…

¿Y sabes qué? Creo que también entra en ello, el valor de la educación, a la hora de poner una mesa bien presentada, si tienes invitados. Es una forma de acogerlos, recibirlos y que se sientan cómodos. Es una forma de demostrar afecto.

¿Tu menaje de mesa puede llegar a considerarse una colección?

¡Sin duda! Y cuido todo para que ojalá algún día mi hija, pueda conservar lo que ella quiera, al igual que yo tengo cosas de mis abuelas.

De ella ¿Cuál es tu pieza más querida?

Tengo una mantelería de lino azul celeste con bordados de fresas en blanco, que era de mi abuela paterna y es mi favorita. (Es la mantelería usada en esta mesa)

De mi abuela materna tengo una serie de platos llanos y hondos, que pertenecen a una casa inglesa, con adornos florales y frutales en los bordes. Están muy antiguos y muy usados, pero los conservo.

Al montar tus mesas ¿eres de las que improvisa o lo tienes todo planificado al detalle?

Me gusta planificarlas, soy una persona bastante organizada.

¿ Qué te inspira?

La naturaleza y sus colores.

¿Podrías compartirnos algún truco que nunca falla o algo que consideres tu seña de identidad?

Me gusta usar centros de mesa, ya sean hechos con frutas, velas o flores. Marcan el núcleo del montaje y para mí es importante, que siempre sean bajitos.

En algún evento o boda, cuando colocan centros en las mesas demasiado altos, apenas puedes ver a los comensales que tienes en frente tuya. Y eso no me gusta nada.

¿Qué elemento consideras indispensable para montar una buena mesa más allá de su evidente utilidad?

Parecerá una tontería, pero las servilletas tienen su encanto y también dicen mucho de una mesa. Es más, las hay de papel con unos estampados monísimos si no queremos usar textil, que después hay que lavar y planchar.

¿En el día a día también das ese toque especial a la mesa?

A diario, suelo comer sola en casa y con prisas, así que despliego, lo justo. Uso mucho mantel individual.

Los fines de semana, sí que me gusta darle un toque más especial a la mesa. Aunque sea para un picoteo.

¿Tienes alguna anécdota relacionada con tus mesas que recuerdes con especial cariño?

Bueno alguna divertida es que en alguna ocasión subo alguna de mis mesas a Instagram y recibo mensajes como: ¿Dónde está ese restaurante? ¿Qué sitio tan mono, donde es?

Y otra, que cada vez que alguna amiga mía viene a casa, acaba llevándose algo. ( Risas)

Una amiga estaba enamorada de unos candelabros dorados con forma de flor que puse para una cena y fui a la tienda donde los adquirí, para reglárselos por su cumple, pero ya estaban agotados. ¡Así que le regalé los míos y se puso como loca!

¿ A qué persona (siga viva o no) invitarías a una de tus mesas?

¡A quien me traiga un buen vinito!

Confidencias a la carta…

Además de poner una mesa ¿Qué cosas son las que te hacen disfrutar el día a día?

Soy una mujer muy natural, normal y positiva. Y soy de las que sonríen mucho y me gusta la gente que te devuelve la sonrisa.

En cuanto a planes, una terracita al sol, con unas simples aceitunas y una bebida fresquita, me hacen feliz. ¡O un buen entrenamiento en el gimnasio!

¿En qué momento vital te encuentras?

¡El próximo viernes, 26 de junio, cumplo 40 años! Así que estoy en un cambio de etapa total.

He dejado atrás cosas que no me hacían feliz y estoy inmersa en mi crecimiento profesional y personal.

Sabemos que eres una mujer inquieta ¿Tienes algún proyecto a la vista?

Proyecto inmediato como tal, no. Pero ideas en la cabeza, muchas.

Lo que sí, me gustaría sacarle mejor rendimiento a mi perfil en Instagram y aprovechar la herramienta para compartir más contenidos de interés para muchas mujeres.

Ahora que llega el verano ¿ Nos haces alguna recomendación para disfrutarlo aún más si cabe?

¡Escaparse a algún mercadillo! Me vuelven loca y siempre siempre, se encuentra algo.

Como buena anfitriona que es, Gloria nos regaló una nueva mesa

Cristal tallado, servilletas bordadas con flores, cubiertos de bambú y un coqueto abridor con forma de pájaro. La segunda mesa es campestre, serena y delicada. El toque diferente lo marca la jarra de cristal verde que con su diseño retro contrasta con el aire romántico de la propuesta.

Para cerrar este fantástico encuentro con Gloria Gómez de León pasamos el

Recogemigas

Un libro: tengo entre manos uno de Sonsoles Ónega, “Llevará tu nombre”.

Una canción: “Have hoy ever seen the rain” por Rod Stewart.

Aunque si visitas mi cuenta de Spotify lo mismo te sorprendes. Escucho muchísima música y muy variada. Lo mismo suena Alejandro Sanz, que Coldplay, El Barrio, Taburete o José Luis Perales.

Una película: Gladiator.  

Un restaurante: Tengo un listado interminable, ¡me encanta comer! Pero en El Campero de Barbate, me puedes encontrar.

Un lema de vida: ”Hoy semillas, mañana flores”. (Aplicable a todo en la vida y con muchas connotaciones positivas. Hay que ponerle esfuerzo y ganas a TODO)

Tu persona favorita: Mi hija Lola.

No puedes vivir sin: El sol.

Un sueño por cumplir: ¡Muchos! Escribir un libro, crear mi propio negocio, ser responsable de comunicación de una firma de moda…

Muchísimas gracias Gloria, por todo, por tu generosidad, por tu entrega y por regalarnos un sí rotundo con el que estrenar sección.

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En la residencia oficial de la embajada de España en México Juana Martín presentó su colección Folclore inspirada en la huella de grandes artistas españolas que triunfaron en dicho país. Lola Flores, Carmen Sevilla o Juanita Reina inspiran esta nueva propuesta de la diseñadora cordobesa como artistas que legaron una identidad que trascendió el tópico folclórico y se redefinió en términos de elegancia, fuerza y libertad creativa.

Para Juana Martín la moda siempre va más allá de la moda, supera diseños, tejidos o tendencias.

La moda para Juana Martín es un modo de expresión, es un lenguaje cultural, es una reivindicación de las raíces y esta colección deja buena cuenta de ello.

En esta propuesta España y México dialogan a través del color, de los tejidos y la artesanía, afianzando la fuerza de sus raíces populares y de su identidad compartida. Folclore es un puente ente territorios, lenguajes y generaciones.

A base de gasas, guipures, organzas y chantilly, Juana Martín da forma a una propuesta de siluetas depuradas, de volúmenes estudiados y toques de elegancia clásica.

En Folclore los lunares, símbolo identitario, se mezclan con flores y aplicaciones que se bordan a mano. Los volantes con prendas lineales y estructuradas, conviviendo todos los elementos en armonía y naturalidad.

Folclore es una suerte de sofisticación contemporánea que se asienta en los elementos más arraigados de nuestra cultura para enraizarse con los de México con una clara mirada vanguardista y actualizada.

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Te despediste de amigos y compañeros hasta el próximo curso y diste la bienvenida a los habituales del verano. Guardaste el reloj, ya no lo necesitabas, a partir de entonces tu vida se guiaba en base al sol, su presencia o ausencia y las sencillas rutinas que componían tu día, no vemos cuando termine Punky Brewster.

En aquella época la vida entera cabía en un verano. Eran veranos sencillos y lentos, sonaban a chicharras y sabían a Calippo de fresa.

Entonces se perdía la noción del tiempo, desconocías si era martes o domingo, bendita sensación que nunca más volverá. Los días eran largos, la vida también, todo era certero e inmutable. Los mayores tenían 16 años y los señores 30. Desconozco qué pensaría de mi edad actual en aquellos días, en realidad prefiero no saberlo.

Eran semanas de familia en las que tus primos se convertían en tu primera pandilla, eran los compañeros perfectos para las primeras salidas por las fiestas o verbenas del pueblo o la playa, los helados después de cenar o los juegos en las zonas comunes de los lugares de veraneo hasta altas horas de la noche, en aquellos veranos sí que hacía falta una sudadera.

Entonces era verano, tus primos mayores iban de avanzadilla y te iban mostrando el mundo que se antojaba tentador e ilusionante. Todavía recuerdo haber saltado desde un muelle del puerto al mar por emular a Kike y Alejandro, aquello fue todo un derroche de valentía por mi parte, quería pertenecer al grupo de los mayores.

En aquellos veranos tu abuela era la que cocinaba y los tomates todavía sabían a tomate. También era quien financiaba tu ocio; las chucherías, los paquetes de patatas, los cacharritos o los juegos varios del paseo marítimo siempre corrían por su cuenta. Creo que iré ahorrando porque con esta melancolía galopante que llevo, seré presa fácil para mis nietos y bien que me gustará.

Los objetivos del verano eran conseguir tirarte de cabeza y bucear largos infinitos hasta que tus pulmones consumían la última gota de oxígeno.

Durante aquellos veranos los ojos viraban a rojo, el pelo a rubio, la piel se teñía de dorado y los pies de negro.

De vez en cuando llegaba una carta a tu buzón o una postal de tu compañera de pupitre que daba señales de vida desde su destino estival y entonces sentías una extraña conexión con esa realidad que poco a poco se había hecho difusa entre las olas de la orilla e ibas dejando atrás con cada nueva carrera en bicicleta.

Las pelis se veían en sillas de hierro y bajo las estrellas, rara vez era un estreno pero lo disfrutabas igual. Las noches que tocaba quedarse en casa, la familia entera jugaba a las cartas, se tomaba el fresco entre jazmines y damas de noche para absorber como una esponja toda la información familiar que los mayores tuvieran a bien compartir.

Hasta entonces sí que era verano pero un año algo cambió, empezaste a saber el día en el que vivías y luego llegó todo lo demás.

Se acabaron las Vacaciones Santillana, se acabaron los relevos en la piscina y se acabó el escondite después de cenar. Llegaron otras cosas, sí, otros tipos de veranos muy divertidos también, a cada edad toca lo que toca pero esos primeros veranos…ainsss, esos veranos.

Últimamente me encuentro volviendo a ellos con frecuencia.

Vuelvo a casa de la tía Nico en la playa, vuelvo a la celebración del santo de mi abuela el 2 de agosto, vuelvo a los castillos inflables con Carlos y Alejandro, al trampolín de María o a los campamentos con Celia y Montse.

Vuelvo ahí porque los veranos de mis hijos son ahora esos veranos y adoro volver a vivirlos con ellos. Esta vez en segunda fila, quieta y en silencio pero ahí, siendo consciente de los grandes recuerdos que están construyendo, de la suerte que tienen de pedalear bien fuerte en sus bicicletas, de tirarse de bomba con sus amigos o de esperar con ansia la llegada de sus primos para una nueva primada.

Los vuelvo a vivir, los vuelvo a disfrutar, los vuelvo a saborear, los suyos y los míos porque los recuerdos están ahí para volver a ellos y deleitarse, emocionarse y seguir viviendo eso que aún tan lejos en el tiempo sigue tan reciente en tu corazón.

Feliz julio, feliz verano.

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Luz que se derrama sobre este paisaje de tierra, mar, arena, río, marismas, de espacios infinitos, al que me asomo una y mil veces intentando trasladar al lienzo la emoción y la intensidad de su contenido. El Guadalquivir es el río de Sevilla, mi ciudad de nacimiento, que me lleva a Sanlucar de Barrameda, mi otra ciudad, donde comencé a pintar y a soñar.

Con estas palabras Carmen Laffón dio inicio a su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en el año 2000. Palabras que bien podrían sintetizar su obra e inspiraciones, lo que movió su arte y la realidad que plasmó en sus obras, su realidad, así como sus más de 60 años de carrera.

Pintora y escultura, Carmen Laffón se inició en el mundo de la pintura plasmando objetos y paisajes desde una perspectiva realista evolucionando después hacia un estilo que casi rozaba la abstracción en el que las veladuras y las manchas difuminadas tomaron el control de sus obras.

Escenas y objetos cotidianos en forma de cestas, armarios o máquinas de coser, su propia familia y vistas, de las ciudades en el que creció como persona y artista, azoteas, el río, salinas y el coto de Doñana, se convierten en los ejes centrales de su obra y los varía, los traslada a temple o carboncillo para ganar profundidad, dotarlos de más vida, abstraerlos o exprimir más si cabe su esencia.

La sencillez de este lugar fue creando en mí una inclinación hacia el valor de lo menor, de lo íntimo, a cultivar y recoger «el tesoro que encierra lo pequeño».

Soñar, porque cuando termina el río y comienza el mar abierto, la imaginación vuela o, mejor dicho, navega a países de tierras y cielos desconocidos, de leyendas y aventuras, de esperanzas e incertidumbres, suscitando en mí cuando lo contemplo sentimientos y pensamientos más allá del tiempo.

Comisariada por Paula Luengo, jefa de exposiciones del Museo Thyssen-Bornemisza, Variaciones es una muestra centrada en las naturalezas muertas y paisajes, los dos géneros fundamentales de la extensa obra de Carmen Laffón. Reúne 77 obras, un conjunto de oleos, carboncillos y esculturas que suponen la máxima expresión del personalísimo mundo figurativo de la artista.

En Variaciones el visitante pasará a formar parte del diálogo creado entre las obras más tempranas de Carmen Laffón y las más tardías, recorriendo la evolución artística de la autora y caminando los pasos que la llevaron a alcanzar su abstracción final.

9 Secciones dedicadas a sus iconografías más frecuentes

1. La muñeca y la cuna 

El primer capítulo de la exposición está dedicado a la muñeca Marcelina y al tema de la cuna, reuniendo dos parejas de óleos, de 1965 a 1995, que conectan con la infancia.

2. Los bodegones

Se centra en las naturalezas muertas, un género de estudio que le permite experimentar con formatos y técnicas a través de objetos modestos de uso diario. 

3. Los objetos

En los inicios de su carrera, Carmen Laffón dedica una gran cantidad de obras a los objetos cotidianos del hogar con las que explora la belleza de las cosas sencillas: canastas, pequeños muebles, máquinas de coser… 

4. Paisaje urbano

En las décadas de 1960 y 1970, Laffón comienza a pintar paisajes urbanos de azoteas y lo que se ve desde ellas. Con el paso de los años, la azotea va perdiendo protagonismo en favor del perfil de la ciudad y del cielo.

5. El Coto

Hacia 1978, inicia sus pinturas del Coto desde Sanlúcar, y a partir de este motivo surge una serie de vistas horizontales en tonos pastel, en las que marca una clara línea divisoria entre el cielo y el mar. 

6. Los armarios

El tema del armario cobra una gran importancia dentro de la obra de Carmen Laffón por ser uno de los proyectos más extendidos en el tiempo, desde 1973 hasta 2018, y por tratarse de una serie dentro de una serie.

7. La cal

La artista no solo pinta exteriores al uso, sino que también se fija en paisajes humildes y de extraña belleza. Ejecutada entre 2011 y 2015, esta serie sobre grandes tablas al óleo, témpera y carboncillo se centra en los utensilios y herramientas de los encaladores que trabajan en un cortijo andaluz, como bidones, carretillas, cubos y mesas. 

8. La sal

La última de sus series, elaborada entre 2017 y 2020, es la que dedica a las blancas salinas de Bonanza, próximas a su casa y taller de Sanlúcar. Tal vez sea su proyecto más ambicioso, tanto por el número de piezas y su gran formato como por el carácter abstracto de las composiciones, hacia el que se encamina la artista según avanza en su producción.

9. La viña

La última sección de la muestra se centra en la serie de La viña. Realizada entre 2006 y 2007, se expuso por primera vez en el monasterio de Santo Domingo de Silos y está inspirada en la pequeña viña que rodea su estudio de Sanlúcar y que Laffón cuidaba a diario. 

Complementando este exposición desde el Museo Thyssen-Bornemisza se han puesto en marcha una serie de actividades y un interesantísimo material adicional que puede revisarse en su web.

La exposición permanecerá abierta del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026.

Si interesa la figura de Carmen Laffón, te recomendamos la lectura del discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Fotografías obras: Museo Thyssen-Bornemisza / Fotografías ambiente: Francis Tsang para Museo Thyssen-Bornemisza

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Hace unos días asistimos a un taller impartido por Farmacia A5 de la mano de Gema Herrerías, su farmacéutica titular, en el que se trató uno de los temas del momento en dermofarmacia, la protección solar. En el mismo, nos acercaron conceptos, desmitificaron creencias y nos dieron las claves para mantener nuestra piel sana en una época del año tan compleja como lo es el verano.

En Protección Solar y Ciencia Gema Herrerías asentó unas sólidas bases para concienciarnos de la necesidad del cuidado de nuestra piel en relación al daño solar. Y lo hizo no desde la opinión, lo hizo desde la ciencia.

Viviendo rodeados de informaciones múltiples como vivimos, es fácil caer en errores y falsas creencias ya que muchos de los impactos recibidos no están contrastados o no son veraces, no se apoyan en ciencia sino en opinión obviando el principal canal al que acudir cuando nos surgen dudas, el profesional.

Desde Farmacia A5 reivindican su papel profesional de la mejor manera que puede hacerse, enseñando, divulgando, demostrando y acercando la ciencia a sus clientes y por ello pusieron en marcha este interesantísimo taller; Protección Solar y Ciencia.

¿Alguien ha tomado el sol sin protección alguna vez? Nos pregunta Gema y toda la sala levanta la mano. Huelga decir que hubo un tiempo en el que cometíamos verdaderas tropelías en pos del bronceado. Afortunadamente esa época quedó atrás, aún así nos queda camino por recorrer.

Protección solar en el rostro sí ¿pero la aplicamos bien? ¿la reponemos? Protección solar en el cuerpo pero ¿en qué formato y cantidad? ¿el adecuado al lugar en el que nos encontramos? ¿somos conscientes del lugar en el que desarrollamos nuestras vidas? Porque no es lo mismo salir de trabajar y volver andando a casa a las tres de la tarde en Sevilla que en Copenhague.

¿Qué hay de real en el concepto callo solar? ¿qué hay detrás de los tóxicos? A todas estas preguntas nos respondió Gema Herrerías desde la mejor y más fiable de las posiciones, la de la ciencia y con décadas de ejercicio de la profesión a sus espaldas.

Repasamos diferentes tipos de protecciones y filtros minerales o químicos, hablamos de vitamina D, de suplementación, la falsa sensación de seguridad, de los tramos horarios más peligrosos, de ropa y accesorios UPF que protegen del solar porque las opciones son amplias y eficaces cuando se trata de prevenir el daño celular.

Hablamos de las consecuencias de la falta de uso de protección solar que en el mejor de los casos deviene en envejecimiento prematuro, manchas y en el más temido de los escenarios, cáncer de piel.

Nos dio las claves para realizar una buena elección de protección solar y el tan poco común de los sentidos, el sentido común.

Para resolver estas dudas y tomar conciencia, nada mejor que escuchar a los profesionales, te recomendamos encarecidamente este fabuloso taller si tienes la oportunidad y también, la charla que mantuvieron Gema Herrerías y Cristina Mitre al respecto y que aquí te dejamos enlazada.

Claves elegir bien la protección solar y evitar el daño solar en nuestra piel.

1. Uso de protección alta a muy alta, SPF50/50+.
2. La importancia del amplio espectro, UVB, UVA, IR-A, VIS
3. Doble protección para pieles oscuras o pigmentadas.
4. Inclusión de antioxidantes frente a la luz visible e IR-A y reparadores/enzimas reparadoras de ADN.
5. El mejor protector solar, es el que USAS.

Además de asumir un nuevo paradigma que vaya más allá de las cremas haciendo uso de medidas físicas, con el apoyo de complementos alimenticios que nunca serán sustitutos de la protección solar pero suman y adoptar medidas de estilo de vida que favorezcan el cuidado de la piel como evitar las horas centrales del día.

Puedes estar al tanto de todas las novedades y consejos de Farmacia A5 en su web y cuenta de Instagram.

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Bobbies lleva desde 2010 diseñando colecciones de zapatería y marroquinería bajo sólidos principios de compromiso medioambiental y social. Con un equipo de diseño centralizado en París y fábricas y artesanos que se reparten entre España y Portugal, capturan para su marca ese característico espíritu parisino de libertad y despreocupación tan codiciado en moda.

Desde Bobbies insuflan a sus creaciones la esencia del effortless y realzan la elegancia a base de líneas o volúmenes muy bien pensados, ofreciendo una visión contemporánea asociada a una sofisticación minimalista e influencias vintage.

Dentro este universo, Bobbies acaba de lanzar un nuevo bolso de nombre Deià. El cual va a acaparar todas las miradas debido a su tremendo carácter. Nos encontramos ante una pieza con vocación de atemporalidad de esas que terminan convertidas en fondo de armario.

Deià está realizado mediante el entrelazado de perlas de acetato con correa de piel. Con seis tonalidades disponibles que van desde el nácar hasta el ámbar, pasando por grises y celestes, este bolso está diseñado para ofrecer una atractiva sofisticación con sumo cuidado al detalle.

Ya disponible en web y puntos de venta.

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La primera exposición dedicada a Elsa Schiaparelli en Reino Unido recorre la amplia trayectoria de la firma desde sus inicios en la década de los 20 del siglo pasado hasta la actualidad bajo la dirección creativa de Daniel Roseberry y podrá visitarse en el Museo Victoria&Albert de Londres hasta el próximo 8 de noviembre.

En esta muestra se exponen más de 400 objetos, 100 looks entre los que destaca el icónico Skeleton Dress y medio centenar de obras de arte firmadas por artistas como Picasso o Cocteau.

Elsa Schiaparelli entendía la moda más allá de un oficio sino como una vertiente dentro del arte.» Para mí, diseñar no es una profesión, es un arte». Sus características creaciones siempre estuvieron íntimamente ligadas a las Vanguardias del S.XX, la diseñadora era considerada una integrante más dentro del círculo de intelectuales del momento.

Dentro de las Vanguardias, el Surrealismo era su parcela de acción, Elsa lo asumió en creaciones subversivas, podríamos decir insolentes para la época, en las que el objeto se sacaba de contexto y los elementos de uso cotidiano se convertían en prendas de moda entre otras muchas excentricidades y genialidades que la llevaron a convertirse en la figura que es hoy. Así, los zapatos se convertían en sombrero, representaciones de manos en casquetes o cajones de escritorio daban forma a femeninos trajes de chaqueta.

Pero descontextualizar no era la única forma de hacer moda de Elsa Schiaparelli, la provocación, también formaba parte de su universo, el Lobster Dress, realizado con colaboración con Salvador Dalí se convirtió en todo un escándalo al lucirlo Wallis Simpson en la revista Vogue. ¿Dónde radica la transgresión te preguntarás? La enorme langosta roja pintada directamente sobre la falda, se colocó de manera estratégica entre las piernas de la mujer y para Dalí, la langosta era un potente símbolo de deseo sexual y erotismo.

La imaginación audaz y la visión radical de Elsa Schiaparelli redefinieron las fronteras entre la moda y el arte.

Esta exposición celebra su influencia duradera a través de colaboraciones icónicas con los maestros del siglo XX y una fusión pionera entre creatividad y comercio.

Con sus colecciones incomparables, su experiencia en moda y diseño, su alcance cultural y su capacidad para tender puentes entre la tradición y la innovación, el Museo Victoria and Albert ofrece el escenario perfecto para mostrar su legado…» Delphine Bellini, CEO de Schiaparelli

Fashion Becomes Art se divide en 4 capítulos

Designing the Modern Wardrobe introduce la carrera de Elsa Schiaparelli, desde la apertura de su primer local en París en 1927 bajo el rótulo «Schiaparelli. Pour Le Sport», hasta convertirse, hacia 1934, en una destacada diseñadora de alta costura para la mujer urbana moderna.

La segunda sección de la exposición, Creative Constellations, explora la profunda conexión de Elsa Schiaparelli con el arte. En el París de los años 20 y 30, colaboró con pintores, escultores y escritores surrealistas que compartían su amor por lo absurdo y lo subversivo. Esta sección destaca las relaciones de Schiaparelli con estos creadores, entablando un diálogo entre obras de arte clave y algunos de sus diseños más atrevidos.

Beyond Paris. Maestra de la autopromoción, Schiaparelli asistía a glamurosos eventos vistiendo sus propias creaciones. Más allá de la atención mediática que generaba, la tercera sección de la exposición explora cómo Elsa Schiaparelli alcanzó el renombre fuera del mundo de la alta costura francesa. La apertura de su salón en Mayfair en 1933 consolidó su presencia internacional, dando paso al movimiento surrealista británico.

A Golden Thread , la sección final, celebra la influencia duradera de Elsa Schiaparelli en la moda y su inmenso legado de diseño, continuado hoy en día por el director creativo Daniel Roseberry.

En la actualidad, Daniel Roseberry ocupa la dirección creativa de la firma desde 2019 y lo hace con absoluta maestría. Elevando las señas de identidad y el enorme archivo de Schiaparelli a los cánones más sublimes de la Alta Costura.

Él ha sido quien ha vuelto a colocar a Schiaparelli en el epicentro de la vanguardia fashionista, aunando el ADN de la Maison con las técnicas de costura más artesanales y exquisitas de todo el panorama internacional.

Algunas curiosidades de Schiaparelli:

1. Elsa nació en 1890 en el imponente Palacio Corsini de Roma. Su entorno familiar era de una enorme sofisticación intelectual: padre Decano en la Universidad de Roma, madre aristócrata y sobrina de astrónomo.
2. A los 21 años, mientras estudiaba filosofía, publicó Arethusa, un libro de poemas marcadamente sensuales. Sus padres, horrorizados por el atrevimiento, la enviaron a un convento de clausura.
3. Schiaparelli no sabía coser ni tenía formación técnica en patronaje. Su primer gran éxito en París (1927) fue un jersey de punto negro que llevaba un lazo blanco tejido en trampantojo, simulando un pañuelo anudado al cuello. Puede verse en la exposición.
4. Creó un color propio. En 1937 lanzó el Shocking Pink , un tono de rosa neón intenso, vibrante y provocador que se convirtió en el sello indiscutible de su firma. Lo utilizó para todo: desde colecciones de alta costura hasta el empaque de su famoso perfume Shocking.
5. Cuando diseñó el frasco de su icónica fragancia Shocking, se inspiró en las sensuales curvas de la actriz de Hollywood Mae West.
6. Las cremalleras eran un elemento puramente industrial y oculto que solo se usaba en la ropa interior o en las faldas por razones prácticas. Elsa rompió el tabú y fue la primera diseñadora en colocar cremalleras de plástico expuestas, grandes y de colores brillantes en vestidos de noche de alta costura.
7. Utilizaba el término «la aburrida costurera burguesa» para referirse a Coco Chanel quien encarnaba lo opuesto a ella en relación a sobriedad, funcionalidad y pragmatismo.
8. Sustituyó los botones tradicionales por auténticas mini-esculturas encargadas a artistas como Alberto Giacometti.
9. Elsa Schiaparelli fue la pionera absoluta en introducir el concepto de colección temática y en utilizar un hilo conductor para vertebrar la presentación de sus prendas.
10. En la década de los 50 el estilo femenino del New Look de Christian Dior acaparó la atención, haciendo que el surrealismo de Schiaparelli se viera desfasado. La diseñadora decidió cerrar su taller en 1954.

Schiaparelli: Fashion Becomes Art homenajeará a una de las diseñadoras más ingeniosas y atrevidas de la historia de la moda. El V&A alberga una de las colecciones de moda más grandes e importantes del mundo, y la colección de prendas de Schiaparelli más destacada de Gran Bretaña. La colaboración de Schiaparelli con los artistas y con el mundo del espectáculo convierte a la Maison y a su fundadora en el tema ideal para una exposición espectacular en el V&A. Tristram Hunt, Director Museo V&A

Más info sobre esta exposición

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En este artículo desgranamos 10 razones para incluir los Museos Capitolinos en tu lista de imprescindibles y no dejarlos en el tintero.

Visitar Roma es siempre una buena idea, es una ciudad hermosa cargada de arte e historia. Hay una lista de imprescindibles que todos conocemos y que procuramos no dejarnos atrás; el Coliseo, San Pedro, La Fontana di Trevi, el Foro, el Panteón… sin olvidar el ambiente de sus barrios, sus calles estrechas o su río. Lo normal es emprender el regreso y haber dejado una buena lista de pendientes porque su patrimonio cultural resulta inabarcable.

Los Museo Capitolinos forman quizás parte de esa lista de pendientes con mayor frecuencia de la que merecen ya que su colección, localización y la experiencia en la visita son sin duda de primer orden.

Desgranamos nuestras 10 razones para visitar los Museos Capitolinos de Roma:

1. Loba Capitolina: En este museo es donde podemos contemplar la escultura de la loba que crio a los fundadores de la ciudad, Rómulo y Remo. Es el gran símbolo identitario de la ciudad. No hace mucho, tras unas pruebas de carbono-14 descubrieron que no es de origen etrusco como se pensaba, sino que data de la Edad Media.
2. Emplazamiento en el centro neurálgico de la civilización romana: Los Museos Capitolinos se encuentran en una de las siete colinas fundacionales romanas, en concreto en il Campidoglio. En ella se construyó el Templo de Júpiter Optimus Maximus, el templo más grande, imponente y sagrado de todo el Estado, dedicado a la Tríada Capitolina (Júpiter, Juno y Minerva). Restos que hoy pueden contemplarse en el museo.
3. Plaza diseñada por Miguel Ángel: La Piazza del Campidoglio nos espera tras una considerable escalinata de acceso a la colina (La Cordonata), una obra civil renacentista de Miguel Ángel realmente impactante. Se trata de una plaza trapezoidal que crea una especie de ilusión óptica que amplia su tamaño real presidida por una estatua ecuestre de Marco Aurelio. El suelo diseñado por Miguel Ángel que dibujaba una estrella de doce puntas no fue finalizado hasta los años 40 del siglo pasado.
4. Colección de escultura clásica en general: El catálogo de los Museos Capitolinos es amplísimo pero destaca su colección de escultura clásica que junto a Los Museos Vaticanos es la más importante del mundo. En ella podemos contemplar algunas de las piezas más relevantes del género como El gálata moribundo, El Espinario, La Venus Capitolina o La Medusa de Bernini. Además de sus salas de bustos de Los Emperadores y Los Filósofos, que resultan sencillamente impactantes.
5. Estatuas de gran tamaño en particular: La Estatua Ecuestre de Marco Aurelio que se encuentra en la plaza de Migue Ángel es una replica exacta de la original que está dentro del museo, en concreto en la Sala Exedra. Es una estatua de bronce de gran tamaño, la única de la Antigüedad que ha sobrevivido, representa al Emperador filósofo y su nivel de detalle es asombroso. De otro lado, destacaremos a El Coloso de Constantino, del que hay 3 versiones. Partes de la original en mármol que se encuentran en un patio, su mano, su cabeza o su pie entre otras partes que conformaban una enorme estatua de 13 metros de altura. La reconstrucción de la misma a tamaño real que está en los jardines inaugurada en 2024. Y la última representación, que es una estatua de bronce dorado de la que también se conservan fragmentos como la cabeza de más de metro y medio.
6. Recorrer la Galería Lapidaria: Esta galería es el túnel subterráneo que conecta los dos edificios principales del museo, en ella te adentras literalmente en el subsuelo de Roma. A lo largo de los muros de este pasillo se disponen cientos de lápidas, fragmentos e inscripciones romanas de mármol meticulosamente ordenadas y que nos hablan de gente corriente de Roma, están ordenadas por temas como la vida doméstica o los oficios.
7. Colección de pintura: En la tercera planta del Palacio de los Conservadores se encuentra la Pinacoteca Capitolina, no suele gozar de tanto público como las primeras plantas y recorrerla es un auténtico deleite. En ella encontrarás obras de Caravaggio como La Buenaventura o su San Juan Bautista y su característicos claroscuros, obras medievales, pinturas de Rubens e incluso un autorretrato de nuestro Diego Velázquez.
8. La Sala l Coroli dell´Antico: La exposición permanente Los Colores de la Antigüedad recoge más de 600 piezas de una original e impactante colección geológica y artesanal. En ella podemos descubrir los diferentes tipos de piedra utilizados en el arte y su infinita gama de colores, además de las herramientas que usaban para trabajarlas y sus técnicas. Piedras semipreciosas, los dibujos que forman, sus tonalidades…Una auténtica curiosidad que merece mucho la pena.
9. Vistas: Roma es una belleza mires donde mires, este museo por su localización goza de no uno, sino varios miradores privilegiados. De un lado unas impactantes vistas del Foro ya desde desde las ventanas de sus salas o desde la balconada. El Tabularium ofrece un plano frontal de las entrañas del Impero Romano. De otro, mirando al Vaticano, este Museo cuenta con una terraza ( en la que por cierto hay cafetería) con unas vistas de la ciudad de Roma en 180º, a última hora de la tarde, la luz dorada a Roma le sienta realemente bien.
10. Tranquilidad: Las cantidad de gente que visita Roma en un año es algo escandaloso, las colas de acceso a sus monumentos emblemáticos son sobradamente conocidas. En algunos de ellos puedes llegar a sentirte incluso parte de un rebaño, lo que rebaja considerablemente tu experiencia cultural y artística. Esto no es lo habitual en Los Museos Capitolinos que son relativamente tranquilos y disfrutas del arte a tu ritmo. Puede deleitarte con cada detalle sin que alguien se coloque delante de la obra para hacer la foto número un millón que no volverá a ver ( tema que mereció una reflexión) Un auténtico lujo.

Más información de Los Museos Capitolinos

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