La trama de la vida humana se compone de hilos que vienen del pasado entretejidos por otros formados por el presente. Desperdigados entre nosotros, todavía invisibles, están los del futuro.

El presente eterno – Sigfried Giedion

Cuando era niño, mi padre me planteaba una adivinanza en la que me preguntaba de qué manera se podía mirar al pasado. La respuesta era mirando al cielo, observando la luz de una estrella, porque es una luz que se emitió hace millones de años, y que nos llega ahora. Una luz que quizás ya no exista, pero que aún conseguimos ver. El eco de un recuerdo. Una ausencia perceptible.

Hace poco, escuché a alguien decir en una entrevista, que el arte, realmente, no tiene por qué servir para algo concreto. De hecho, decía que era una cosa fundamentalmente inútil. Percibí algo de levedad en sus palabras, y en el hecho de que algo no tiene por qué significar nada más allá de lo que cada uno quiera ver.

En los días que corren, veo cierta levedad en la incertidumbre. El alivio de no tener que saber ni responder ante una circunstancia, ni tener una opinión determinada y fija -ni buena, ni mala, ni razonable, ni emocional- sobre las cosas. Habitar temporalmente la incertidumbre, lo que carece de nombre, de forma, pero aún así, percibimos. Una incertidumbre que mantiene viva la posibilidad.

En cualquier caso, sí creo que el arte, debe ser un lugar accesible donde poder verse -o descubrirse- a uno mismo.

Personalmente, uno de esos espacios donde se acorta la distancia de algunas partes de mi ser con el resto, es sin duda, la obra de Edward Hopper.

Pintor americano de la primera mitad del siglo XX, uno de los grandes referentes del realismo americano que, a través de sus pinturas, cuestionaba el modelo hacia el cual se dirigía la sociedad occidental de la época. Grandes ciudades, industrialización, grandes distancias acortadas, la separación del ser humano de la naturaleza (y de la suya propia)… No parecía equivocarse demasiado proyectando esta problemática sobre el lienzo.

En sus obras, Hopper consigue aislar a los protagonistas de su experiencia espacial, y hace partícipe al espectador con los planos y puntos de vista que utiliza para representar las escenas, y eligiendo el momento exacto de una situación en la que parece no pasar nada, pero sucede todo.

Es paradójico que en una modernidad que nos prometía un sentimiento de comunidad y conexión cada vez mayor, haya quien experimente una tan clara sensación de soledad y distanciamiento con su contexto.

Si bien es cierto que una soledad no deseada puede ser incómoda, sea cual sea la naturaleza de ese aislamiento, me parece un buen punto de partida para relacionarse con la incertidumbre y la espera.

En la espera también se encuentra el aprendizaje para hacerlo. La quietud, la observación, la reflexión, la aceptación de la incertidumbre y desde ahí, determinar el rumbo de la acción. Tomar distancia, expandir el perímetro, para acercarse al centro.

Hay una obra de Hopper en concreto ante la que siempre me detengo cuando visito el Thyssen. Ese cuadro es Habitación de hotel, obra realizada en 1931 por el pintor americano.

Una de los aspectos de la pintura de Hopper que me atrapa es cómo la quietud convierte en eterna la escena. En sus escenas hay incertidumbre por lo que vendrá, y nostalgia por lo que se fue. Decía Kundera que la nostalgia lo baña todo de belleza, incluida la guillotina.

Pero a pesar del anhelo y la duda, también encuentro una sensación de recogimiento y confianza que me atrapa en cada una de las escenas. Viajes en tren, personas habitando en soledad cafeterías, habitaciones de hoteles, estaciones de gasolineras… perderse en una cotidianeidad para poder encontrarse.

Maletas por deshacer, zapatos en el suelo, la ropa en el sillón y una mujer leyendo una carta. Quizás acaba de leerla, o quizás es el motivo que le ha hecho huir.

Esta obra siempre me evocó cierta incertidumbre. Un tiempo sostenido. Una transición, una despedida. También un comienzo, hay algo especial en los comienzos. Una promesa de futuro que aún no se ha encontrado con su presente. Cristales aún por romper. Una espera eterna que convierte todo en posible antes de que la expectativa lo convierta todo en pretérito perfecto.

En este cuadro vemos a alguien en transición, que acaba de llegar o que está a punto de irse. O ambas.

La instantánea captura el momento preciso de un punto de inflexión.

El boceto de un instante que carece, todavía, de una forma definida. Un recuerdo y un quizás. El sonido de un eco de una casa vacía. Una geometría perdida y el latido de una ausencia que decide quedarse, y a la que se pertenece. Un sentir de memoria. La metafísica de una despedida, que contiene intrínsecamente un comienzo.

La espera proyecta una idea, la cual marca el camino a seguir. Una derrota marcada por la expectativa. La espera es un estado de la quietud, y en ésta, habita la posibilidad.

Posibilidad de elección, posibilidad de ser.

La quietud es la espera hecha instante, eterna. Es un instante que no tiene dirección ni tiempo. Un punto de estabilidad, donde las fuerzas que deforman la percepción del contexto se equilibran. En ese punto marcado (a)temporalmente por la quietud se muestra uno más consciente de la realidad a la que pertenece.

Derrota (def) (Conexión entre pasado, presente y futuro)

1. Camino, vereda o senda.
2. El peso del olvido.
3. Convivencia con la renuncia.
4. El punto de fuga.
5. Camino de ida.
6. Un dibujo sin boceto.
7. Atender al ruido ensordecedor del recuerdo.
   

La obra de Hopper nos ubica en un contexto marcado por los hilos enredados entre el pasado y el futuro que da como resultado el instante preciso de la escena pintada por el artista americano.

Una película, todavía sin final, contada a través de una sola escena. Propuesta por el artista, completada por todos nosotros. La quietud, un instante en el que toda acción es todavía posible.

Esa luz está viajando
todavía por el espacio.

Algún día llegará.

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La desgranamos en 10 claves.

1. El almuerzo de los remeros es una obra impresionista de 1881 que mide 129,5 x 172 centímetros y pertenece a la Colección Phillips ubicada en Washington D.C.
2. El almuerzo de los remeros es una obra impresionista de 1881 que mide 129,5 x 172 centímetros y pertenece a la Colección Phillips ubicada en Washington D.C.
3. Plasma una reunión de amigos en una terraza y escenifica como pocas obras la alegría, la vida. Hedonismo en estado puro. Es una obra que casi pudiera oírse, una obra viva. Este motivo, la alegría de vivir es un tema central para Renoir, tanto es así que podríamos calificarlo como un impresionista hedonista.
4. Está localizada en la terraza de la Maison Fournaise, una posada a orillas del Sena a las afueras de París en la que Renoir y su grupo de amigos se reunían con frecuencia. Allí alquilaban botes para remar, se servían típicas comidas francesas y se organizaban bailes. Es una edificación que todavía está en pie, frente la Île de Chatou.
5. Es una obra en la que aparecen rostros conocidos y amigos del pintor: el también pintor Caillebotte, sentado en primer plano, Aline Charigot, quien posteriormente se convertiría en esposa de Renoir, el barón Barbier o la actriz Angèle Legaut.
6. La luz de esta pintura es excepcional, mágica. Se filtra a través de un toldo (ma-ra-vi-lla) y reposa en los personajes de una manera tan realista y tan viva que parece que vaya a empezar a moverse y tintinear motivado por la brisa del río.
7. Esta obra es como una matrioska. En ella podemos observar la maravillosa escena coloquial que representa pero también un extraordinario bodegón sobre la mesa a base de vinos, uvas y restos de comida. Así como diferentes retratos llenos de vida de los personajes pintados.
8. Detrás del aparente desorden de esta terraza, Renoir diseña un engranaje perfecto, miradas cruzadas entre los personajes, algunas coquetas, otras abstraídas o sumergidas en conversación y una disposición en diagonal de la barandilla que organiza la escena.
9. Los trazos de esta obra son delicados y largos, con ellos consigue esa característica sensación de movimiento y vida que tan bien define la obra de Renoir.
10. El almuerzo de los remeros de Renoir es una obra que destaca por su paleta de color vitalista y alegre. El azul y las tonalidades verdes tienen el protagonismo, sin embargo, aparecen pinceladas rojas (la tan manida expresión «rojo inesperado») que aportan fuerza y un extra de luminosidad como si todavía fuera posible.
11. Renoir fue un impresionista centrado en la figura humana, algo no tan frecuente entre sus coetáneos que tendían hacia el medio natural. Esta obra y Baile en el Moulin de la Galette son la máxima expresión de Renoir: gente disfrutando de la vida, sin más pretensiones.

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Hasta el próximo 27 de septiembre tenemos la oportunidad de recorrer, observar y escudriñar la maestría del trabajo de la diseñadora catalana en sus 30 años de carrera.

El Museo del Traje de Madrid acoge los últimos días de la exposición Helbig Archive, 30 años de Teresa Helbig, una trayectoria por las tres décadas de trabajo de la diseñadora en la que se reúnen algunas de sus piezas más icónicas procedentes de su propio archivo.

Al medio centenar de creaciones que componen la muestra se suman documentos, fotografías y materiales inéditos que sumergen al visitante en el universo creativo de la diseñadora, un universo inconformista que ha desarrollado su propio lenguaje a lo largo de los años.

Carácter, sensibilidad o excelencia son algunos de los calificativos inherentes a la carrera de Teresa Helbig en la que la atención al detalle y la reivindicación de lo auténtico se convierten en señas de identidad.

Los años de investigación y experimentación son la base del marcado carácter de sus creaciones. Creaciones etéreas y delicadas, cosidas para permanecer y acompañarte toda una vida.

Teresa Helbig no entiende la moda como algo fugaz y efímero, su relación se asienta en el trabajo minucioso, en la paciencia, en la calidad y en la artesanía.

La costura de otro tiempo, la costura que permanece.

Esta muestra revisa la trayectoria de la creadora dentro de la moda de autor española, reafirmándola como uno de los referentes del panorama nacional desarrollando su labor tanto en el mundo del prêt-à-porter como en costura y novias.

Helbig Archive, 30 años de Teresa Helbig es una exposición gratuita que puede visitarse en el Museo del Traje hasta el próximo 27 de septiembre.

fotos: Francisco Javier Maza para el Museo del Traje

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Paolo Roversi no tenía la fotografía de moda entre sus planes de futuro cuando se traslado a París. La moda llegó de casualidad pero en ella encontró un lugar destacado que lo ha llevado a trabajar con las grandes firmas, revistas y personalidades del sector.

Campañas para Yves Saint Laurent, Valentino o Dior, retratos del 40 cumpleaños de la Princesa Catalina, colaboraciones habituales para Vogue y algunas de las imágenes más icónicas de Kate Moss son sólo unas pequeñas, pero enormes, pinceladas de la trayectoria del fotógrafo italiano.

Trayectoria que hasta el próximo 20 de septiembre podrá recorrerse en la exposición Doubts que ahora se celebra en la Fundación MOP, localizada en el muelle de Batería en A Coruña.

Las dudas…abren la puerta a la creatividad y la imaginación, de igual modo que las certezas las cierran. Paolo Roversi.

La muestra, que recoge el universo creativo del fotógrafo italiano a través de las obras mas icónicas del artista así como de imágenes inéditas, se convierte en la protagonista de la programación del verano 2026 de la Fundación MOP.

La visita, que es gratuita y de la que pueden adquirirse las entradas con antelación, se inicia con una película sobre el fotógrafo italiano que introduce al visitante en la peculiar visión creativa del protagonista.

Desnudos, retratos, polaroids y una atmósfera cargada de ensoñaciones, componen buena parte del trabajo de Paolo Roversi y se dividen en 12 secciones interconectadas en esta exposición: Theatre, Appearances, Shadows, Doubts, People, Presece, Grace, Beauty y Fading.

Además se he editado un libro que puede adquirirse tanto en la fundación como on line y los beneficios se destinarán al proyecto Future Stories, dirigido al apoyo de creadores en su carrera artística.

Imágenes cortesía de Fundación MOP

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Luz que se derrama sobre este paisaje de tierra, mar, arena, río, marismas, de espacios infinitos, al que me asomo una y mil veces intentando trasladar al lienzo la emoción y la intensidad de su contenido. El Guadalquivir es el río de Sevilla, mi ciudad de nacimiento, que me lleva a Sanlucar de Barrameda, mi otra ciudad, donde comencé a pintar y a soñar.

Con estas palabras Carmen Laffón dio inicio a su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en el año 2000. Palabras que bien podrían sintetizar su obra e inspiraciones, lo que movió su arte y la realidad que plasmó en sus obras, su realidad, así como sus más de 60 años de carrera.

Pintora y escultura, Carmen Laffón se inició en el mundo de la pintura plasmando objetos y paisajes desde una perspectiva realista evolucionando después hacia un estilo que casi rozaba la abstracción en el que las veladuras y las manchas difuminadas tomaron el control de sus obras.

Escenas y objetos cotidianos en forma de cestas, armarios o máquinas de coser, su propia familia y vistas, de las ciudades en el que creció como persona y artista, azoteas, el río, salinas y el coto de Doñana, se convierten en los ejes centrales de su obra y los varía, los traslada a temple o carboncillo para ganar profundidad, dotarlos de más vida, abstraerlos o exprimir más si cabe su esencia.

La sencillez de este lugar fue creando en mí una inclinación hacia el valor de lo menor, de lo íntimo, a cultivar y recoger «el tesoro que encierra lo pequeño».

Soñar, porque cuando termina el río y comienza el mar abierto, la imaginación vuela o, mejor dicho, navega a países de tierras y cielos desconocidos, de leyendas y aventuras, de esperanzas e incertidumbres, suscitando en mí cuando lo contemplo sentimientos y pensamientos más allá del tiempo.

Comisariada por Paula Luengo, jefa de exposiciones del Museo Thyssen-Bornemisza, Variaciones es una muestra centrada en las naturalezas muertas y paisajes, los dos géneros fundamentales de la extensa obra de Carmen Laffón. Reúne 77 obras, un conjunto de oleos, carboncillos y esculturas que suponen la máxima expresión del personalísimo mundo figurativo de la artista.

En Variaciones el visitante pasará a formar parte del diálogo creado entre las obras más tempranas de Carmen Laffón y las más tardías, recorriendo la evolución artística de la autora y caminando los pasos que la llevaron a alcanzar su abstracción final.

9 Secciones dedicadas a sus iconografías más frecuentes

1. La muñeca y la cuna 

El primer capítulo de la exposición está dedicado a la muñeca Marcelina y al tema de la cuna, reuniendo dos parejas de óleos, de 1965 a 1995, que conectan con la infancia.

2. Los bodegones

Se centra en las naturalezas muertas, un género de estudio que le permite experimentar con formatos y técnicas a través de objetos modestos de uso diario. 

3. Los objetos

En los inicios de su carrera, Carmen Laffón dedica una gran cantidad de obras a los objetos cotidianos del hogar con las que explora la belleza de las cosas sencillas: canastas, pequeños muebles, máquinas de coser… 

4. Paisaje urbano

En las décadas de 1960 y 1970, Laffón comienza a pintar paisajes urbanos de azoteas y lo que se ve desde ellas. Con el paso de los años, la azotea va perdiendo protagonismo en favor del perfil de la ciudad y del cielo.

5. El Coto

Hacia 1978, inicia sus pinturas del Coto desde Sanlúcar, y a partir de este motivo surge una serie de vistas horizontales en tonos pastel, en las que marca una clara línea divisoria entre el cielo y el mar. 

6. Los armarios

El tema del armario cobra una gran importancia dentro de la obra de Carmen Laffón por ser uno de los proyectos más extendidos en el tiempo, desde 1973 hasta 2018, y por tratarse de una serie dentro de una serie.

7. La cal

La artista no solo pinta exteriores al uso, sino que también se fija en paisajes humildes y de extraña belleza. Ejecutada entre 2011 y 2015, esta serie sobre grandes tablas al óleo, témpera y carboncillo se centra en los utensilios y herramientas de los encaladores que trabajan en un cortijo andaluz, como bidones, carretillas, cubos y mesas. 

8. La sal

La última de sus series, elaborada entre 2017 y 2020, es la que dedica a las blancas salinas de Bonanza, próximas a su casa y taller de Sanlúcar. Tal vez sea su proyecto más ambicioso, tanto por el número de piezas y su gran formato como por el carácter abstracto de las composiciones, hacia el que se encamina la artista según avanza en su producción.

9. La viña

La última sección de la muestra se centra en la serie de La viña. Realizada entre 2006 y 2007, se expuso por primera vez en el monasterio de Santo Domingo de Silos y está inspirada en la pequeña viña que rodea su estudio de Sanlúcar y que Laffón cuidaba a diario. 

Complementando este exposición desde el Museo Thyssen-Bornemisza se han puesto en marcha una serie de actividades y un interesantísimo material adicional que puede revisarse en su web.

La exposición permanecerá abierta del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026.

Si interesa la figura de Carmen Laffón, te recomendamos la lectura del discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Fotografías obras: Museo Thyssen-Bornemisza / Fotografías ambiente: Francis Tsang para Museo Thyssen-Bornemisza

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En este artículo desgranamos 10 razones para incluir los Museos Capitolinos en tu lista de imprescindibles y no dejarlos en el tintero.

Visitar Roma es siempre una buena idea, es una ciudad hermosa cargada de arte e historia. Hay una lista de imprescindibles que todos conocemos y que procuramos no dejarnos atrás; el Coliseo, San Pedro, La Fontana di Trevi, el Foro, el Panteón… sin olvidar el ambiente de sus barrios, sus calles estrechas o su río. Lo normal es emprender el regreso y haber dejado una buena lista de pendientes porque su patrimonio cultural resulta inabarcable.

Los Museo Capitolinos forman quizás parte de esa lista de pendientes con mayor frecuencia de la que merecen ya que su colección, localización y la experiencia en la visita son sin duda de primer orden.

Desgranamos nuestras 10 razones para visitar los Museos Capitolinos de Roma:

1. Loba Capitolina: En este museo es donde podemos contemplar la escultura de la loba que crio a los fundadores de la ciudad, Rómulo y Remo. Es el gran símbolo identitario de la ciudad. No hace mucho, tras unas pruebas de carbono-14 descubrieron que no es de origen etrusco como se pensaba, sino que data de la Edad Media.
2. Emplazamiento en el centro neurálgico de la civilización romana: Los Museos Capitolinos se encuentran en una de las siete colinas fundacionales romanas, en concreto en il Campidoglio. En ella se construyó el Templo de Júpiter Optimus Maximus, el templo más grande, imponente y sagrado de todo el Estado, dedicado a la Tríada Capitolina (Júpiter, Juno y Minerva). Restos que hoy pueden contemplarse en el museo.
3. Plaza diseñada por Miguel Ángel: La Piazza del Campidoglio nos espera tras una considerable escalinata de acceso a la colina (La Cordonata), una obra civil renacentista de Miguel Ángel realmente impactante. Se trata de una plaza trapezoidal que crea una especie de ilusión óptica que amplia su tamaño real presidida por una estatua ecuestre de Marco Aurelio. El suelo diseñado por Miguel Ángel que dibujaba una estrella de doce puntas no fue finalizado hasta los años 40 del siglo pasado.
4. Colección de escultura clásica en general: El catálogo de los Museos Capitolinos es amplísimo pero destaca su colección de escultura clásica que junto a Los Museos Vaticanos es la más importante del mundo. En ella podemos contemplar algunas de las piezas más relevantes del género como El gálata moribundo, El Espinario, La Venus Capitolina o La Medusa de Bernini. Además de sus salas de bustos de Los Emperadores y Los Filósofos, que resultan sencillamente impactantes.
5. Estatuas de gran tamaño en particular: La Estatua Ecuestre de Marco Aurelio que se encuentra en la plaza de Migue Ángel es una replica exacta de la original que está dentro del museo, en concreto en la Sala Exedra. Es una estatua de bronce de gran tamaño, la única de la Antigüedad que ha sobrevivido, representa al Emperador filósofo y su nivel de detalle es asombroso. De otro lado, destacaremos a El Coloso de Constantino, del que hay 3 versiones. Partes de la original en mármol que se encuentran en un patio, su mano, su cabeza o su pie entre otras partes que conformaban una enorme estatua de 13 metros de altura. La reconstrucción de la misma a tamaño real que está en los jardines inaugurada en 2024. Y la última representación, que es una estatua de bronce dorado de la que también se conservan fragmentos como la cabeza de más de metro y medio.
6. Recorrer la Galería Lapidaria: Esta galería es el túnel subterráneo que conecta los dos edificios principales del museo, en ella te adentras literalmente en el subsuelo de Roma. A lo largo de los muros de este pasillo se disponen cientos de lápidas, fragmentos e inscripciones romanas de mármol meticulosamente ordenadas y que nos hablan de gente corriente de Roma, están ordenadas por temas como la vida doméstica o los oficios.
7. Colección de pintura: En la tercera planta del Palacio de los Conservadores se encuentra la Pinacoteca Capitolina, no suele gozar de tanto público como las primeras plantas y recorrerla es un auténtico deleite. En ella encontrarás obras de Caravaggio como La Buenaventura o su San Juan Bautista y su característicos claroscuros, obras medievales, pinturas de Rubens e incluso un autorretrato de nuestro Diego Velázquez.
8. La Sala l Coroli dell´Antico: La exposición permanente Los Colores de la Antigüedad recoge más de 600 piezas de una original e impactante colección geológica y artesanal. En ella podemos descubrir los diferentes tipos de piedra utilizados en el arte y su infinita gama de colores, además de las herramientas que usaban para trabajarlas y sus técnicas. Piedras semipreciosas, los dibujos que forman, sus tonalidades…Una auténtica curiosidad que merece mucho la pena.
9. Vistas: Roma es una belleza mires donde mires, este museo por su localización goza de no uno, sino varios miradores privilegiados. De un lado unas impactantes vistas del Foro ya desde desde las ventanas de sus salas o desde la balconada. El Tabularium ofrece un plano frontal de las entrañas del Impero Romano. De otro, mirando al Vaticano, este Museo cuenta con una terraza ( en la que por cierto hay cafetería) con unas vistas de la ciudad de Roma en 180º, a última hora de la tarde, la luz dorada a Roma le sienta realemente bien.
10. Tranquilidad: Las cantidad de gente que visita Roma en un año es algo escandaloso, las colas de acceso a sus monumentos emblemáticos son sobradamente conocidas. En algunos de ellos puedes llegar a sentirte incluso parte de un rebaño, lo que rebaja considerablemente tu experiencia cultural y artística. Esto no es lo habitual en Los Museos Capitolinos que son relativamente tranquilos y disfrutas del arte a tu ritmo. Puede deleitarte con cada detalle sin que alguien se coloque delante de la obra para hacer la foto número un millón que no volverá a ver ( tema que mereció una reflexión) Un auténtico lujo.

Más información de Los Museos Capitolinos

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Barrabás llegó a la familia por vía marítima, anotó la niña Clara con su delicada caligrafía» leíste esta primera frase de La Casa de los Espíritus y ya no hubo vuelta atrás. Esta frase te atrapó para siempre y te sumergió en una maravillosa historia familiar de amores, odios, miedos, rencores e injusticias. A ti y a más de 70 millones de lectores.

Y si aún no has caído rendida ante esta fascinante novela, te envidiamos, mucho, porque tienes por delante una de las obras más emblemáticas de la literatura latinoamericana que entrará en tu vida como un huracán.

Esta arrebatadora historia familiar fue llevada al cine en 1993 y su paso por la pantalla se saldó con una enorme deuda hacia todo el universo que Isabel Allende creó en torno a las familias Del Valle, Trueba y García. Deuda que ahora se salda con esta serie que acaba de estrenarse en Amazon Prime.

Cuando vi la miniserie, vi lo que siempre debió haber sido. Isabel Allende

Isabel Allende participa como productora ejecutiva, junto a Eva Longoria, en esta adaptación televisiva de Casa de los Espíritus que ahora disfrutaremos en formato de miniserie compuesta por 8 capítulos y que ya puedes disfrutar en su totalidad en la plataforma digital.

La Casa de los Espíritus recorre medio siglo de historia de una saga familiar oscilando en diferentes momentos temporales para presentarnos, conocer y querer a las mujeres que protagonizan la historia; Nívea, Clara, Blanca y Alba.

Lo hace a través de los cuadernos de vida de Clara del Valle, una particular mujer con poderes psiquicos que nos traslada a un onírico y mágico universo que entrelaza con otras novelas latinoamericanas calificadas como realismo mágico.

Pero ¿Qué es el realismo mágico y dónde lo encontramos en La Casa de los Espíritus?

El realismo mágico es un movimiento artístico iniciado a principio del s. XX a raíz del surgimiento de las vanguardias que influyó en diferentes manifestaciones artísticas. En literatura, encuentra su auge en torno a mitad de siglo. Entrelaza lo irreal con lo común y lo normaliza, dejando a un lado el asombro para aceptar que lo extraño forma parte de la vida.

En La Casa de los Espíritus el realismo mágico entra a raudales y se hace presente en cosas tan sencillas como el pelo verde de Rosa, en el propio Barrabás con su descomunal tamaño, casi mitológico, y especialmente en Clara, clarividente que con sus peculiaridades se convierte en la misma columna vertebral de la historia.

Clara habla con los espíritus, adivina el futuro de los que la rodean o interpreta señales, Clara es una realidad mágica en sí misma.

Con la mirada femenina siempre presente, la novela ( y ahora la serie) repasa la historia reciente de Chile, el feminismo, la lucha de clases, la dictadura, así como las historias cotidianas del día a día porque la autora entrelaza realidades con verdadera maestría.

«Creo que es la idiosincrasia de este país, las clases sociales, la forma de ser, de pensar… el valor y la fortaleza de las mujeres en todos los ámbitos. Todo eso sigue vivo. Muchos conflictos que ya existían entonces, desde 1930 y 1970, aún existen». Ha declarado la propia autora.

Y ¿Cómo plasmar todo este universo en una serie?

Con grandísimo acierto diríamos porque lo han conseguido.

Visualizar esta serie es un placer, tremendamente bella, tremendamente íntima, tremendamente sensorial.

La fuerza y la certeza con la que han dado vida a los personajes de la historia no pude dejar indiferentes a los lectores que amaron este libro. La Clara que imaginaste mientras leías sus páginas es la Clara que ahora ves en pantalla. La crueldad de Esteban, la sobrenaturalidad de Rosa, el carácter de Alba se han hecho presentes de un modo que no pueden más que asombrarte y conseguir que agradezcas el momento en el que decidieron dar vida a este proyecto.

En la ambientación, el vestuario o en la atmósfera creada, poco margen de mejora podría encontrarse, es sencillamente exquisita. Cuidada, trabajada y en perfecta consonancia con la obra original.

Esta adaptación televisiva es un sí rotundo, todo un regalo a los amantes de La Casa de Los Espíritus que, seguro no se arrepentirán de ver.

Nada finaliza mientras viva en nuestros corazones.

Imágenes cortesía de Amazon Prime.

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Para Ana Locking la moda no es sólo una disciplina estética. En sus años de profesión la diseñadora siempre ha entendido la moda, además, como un instrumento para narrar historias que cuentan con su propio lenguaje narrativo y emocional. Así, cada prenda se transforma en una invitación a la reflexión, en una suerte de archivo emocional o el punto de partida de un viaje imaginativo o con el que echar la vista atrás.

La idea central de la exposición Ana Locking. Nostalgia/Utopía gira en torno a la moda como relato en tránsito, una constante que pivota entre la nostalgia y la utopía, una dualidad que se presenta como un movimiento en una doble dirección.

Con una escenografía que no se adapta cronológicamente a la trayectoria de la diseñadora, la exposición se desarrolla en torno a gigantes cajas de transporte de madera en la que maniquís dan vida a las creaciones de Ana Locking a lo largo de sus años de trabajo. Así se recogen piezas de la colecciones Antihero de 2016, The Thinker de 2017, Kaspar Hauser de 2018, Paranormal de 2022 entre otras que ofrecen una minuciosa retrospectiva de la diseñadora.

Esta exposición recoge en torno a 100 looks y se divide en 3 plantas reservando la última al proceso creativo, exponiendo así bocetos, dosieres, textos, fotografías, referencias visuales… La exposición nos acerca así al storytelling y la metodología conceptual de la marca.

+INFO:

Del 4 de marzo al 12 de julio de 2026

Sala Canal Isabel II

Santa Engracia, 125, Madrid

Comisario: Alberto Gonper

Presentada por la Comunidad de Madrid

Abierta de martes a sábado, 11 a 20:30h y domingos 11 a 14h.

Entrada gratuita.

Más información

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ARCOmadrid es la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España que, desde su creación, se ha consolidado como una de las principales plataformas del mercado del arte contemporáneo. Este 2026 celebrará su 45ª edición con el tema central de: ARCO2045: El futuro, por ahora.

En esta edición de ARCOMadrid encontraremos dos espacios dentro de la feria, comisariados por José Luis Blondet y Magalí Arriola, que invitarán a reflexionar sobre posibles futuros y lenguajes tentativos del arte con el fin de vislumbrar nuevos horizontes.

Un año más, el Programa General volverá a presentar contenidos artísticos como eje principal de la feria, con galerías y proyectos seleccionados por el Comité Organizador.

Como es habitual en ARCOmadrid, las secciones comisariadas tendrán un papel destacado. Opening. Nuevas galerías, comisariada por Anissa Touati y Rafa Barber Cortell, reunirá una selección de galerías con menos de ocho años de trayectoria. Por su parte, el proyecto Perfiles | Arte Latinoamericano, comisariado por José Esparza Chong Cuy, continuará fortaleciendo el vínculo histórico entre ARCOmadrid y el arte latinoamericano.

+INFO

Obra foto ppal: Adolfo Bimer / Obra número 2: Ximena Maldonado Sánchez

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Quietud, calma, introspección, son algunas de las sensaciones que provoca la contemplación de la obra de Vilhelm Hammershøi. Obra que ahora se expone ahora en el Museo Thyssen hasta el próximo 31 de mayo en la exposición Hammershøi, El ojo que escucha comisariada por Clara Marcellán.

Esta exposición, compuesta casi por un centenar de obras, supone una cuidada muestra del trabajo del artista y ofrece una variada y completa visión de su trayectoria artística: arquitectura, retratos, naturaleza pero especialmente sus hipnotizantes interiores domésticos.

Vilhelm Hammershøi nació en Copenhague en 1864 en el seno de una próspera familia de comerciantes.

Siendo un niño, con 8 años, inició sus estudios de dibujo llegando a formar parte de la Real Academia Danesa de Bellas Artes con tan sólo 15 años.

Discípulo de pintores daneses románticos que lo iniciaron en el paisajismo o las escenas de vida cotidiana como Kyhn y Krøyer, no tardó en alcanzar un notable éxito que tras su muerte fue diluyéndose debido a la irrupción de las vanguardias.

Hammershøi, El ojo que escucha se llevada a cabo con la colaboración de la Galería Nacional de Dinamarca y consigue recalar en España el trabajo de este revalorizado artista que sólo en contadas ocasiones ha pasado por nuestro país. La muestra además, se completa con una selección de obras de aristas afines que ayudan a comprender y elevar el trabajo del pintor.

El subtítulo de la muestra, “el ojo que escucha”, remite a la relación metafórica entre su pintura, el silencio y la aparente calma que transmite, y el interés del artista por la música.

Escenas de vida cotidiana en interiores urbanos domésticos. Así podríamos sintetizar lo mejor de su obra, pero al fin y al cabo, sólo son palabras.

Las sensaciones, las que él produce: quietud, calma e interioridad, es lo que de verdad importa, es ahí donde reside su don.

La aparente sencillez de su trabajo no debería distraer la atención de la profunda belleza y técnica que esconden sus obras.

Un magistral uso de la luz, un Sorolla danés, que plasma atmósferas silentes, en las que hasta las motas de polvo suspendido encuentran su lugar, la limitada paleta de colores de las que hace uso el artista o la capacidad para colocar al observador dentro de la propia escena, son sólo algunos de los aspectos que, afortunadamente, vuelven a situar la obra de Vilhelm Hammershøi en el lugar que merecen.

Puedes visitar esta exposición del 17 de febrero al 31 de mayo en el Museo Thyssen.

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